Assemble 2!!

Avengers: “Age of ultron”(2015)
Dirigida por Josh Whedon
Reseña por Lucas
Y llegó el día en que los héroes más poderosos de la tierra se volvieron a juntar para combatir una amenaza común … y los comiqueros más que contentos.
Esta película me generó una serie de contradicciones, es mejor que la primera?
Rotundamente no!! es menos fluida, los chistes no  funcionan tanto y ahora no hay tanta novedad en ver juntos a los personajes pero tenemos a Josh Whedon que es tal vez el mejor director de cine de superhéroes de la actualidad (ya podemos hablar de un subgénero debidamente no?).
Pero empecemos por los palos: La película por momentos me hizo acordar a “Iron Man 2” ya que pierde mucho tiempo en setupear la próxima oleada de películas en vez de avanzar la trama, de esta manera al hilo argumental se podría reducir a esto: “Iron Man y Banner desarrollan una inteligencia artificial con tecnología chitaurí, esta se vuelve loca y decide aniquilar a la humanidad.
Los Vengadores la hacen papilla. Fin, todos gritan contentos Avengers  Assamble!!”  pero se ve revuelta con giros argumentales y personajes que solo dicen presente para ser desarrollados en futuras películas.
¿Por qué quería Ultrón el cetro de Loki? Bueno porque nos spoileramos que adentro tiene la gema mente, es la única explicación que le puedo encontrar, puro tecnicismo del guión porque el padre de la Visión no hace nada de nada con el cetro.
No hago mención al hecho de que en la película anterior de Thor, donde Loki era casi co-protagonista no se hace mención al cetro, pero sigamos.
¿Para que aparece el barón Von Strucker? Este es uno de los archienemigos no sólo del capitán sino de Nick Fury, criminal de guerra Nazi y encima creador de HYDRA. ¿Para que lo metieron en la escena post títulos de la última película del Capitán?
La única explicación es para meter con calzador a los gemelos Maximoff, quizá dando a entender que podrían tener filiación con el villano, pero volveré a esto más tarde.
No me gusto el tratamiento de este villano, tal vez aparezca en una futura película del Capitán (la próxima lo dudo) o del propio Fury pero su destino en pantalla fue muy err fulminante.
¿Se acuerdan de las pataletas de Kevin Feige por el uso de Quisksilver por parte de Fox?
Feige es el jefazo de Marvel Studios y puso el grito en el cielo cuando se enteró que Fox iba a usar a Pietro Maximoff en “Días del futuro pasado” (peliculón por otra parte) porque Whedon lo quería usar en Avengers incluso se apuraron a sacar la escena post títulos de “Capitán América: Soldado de invierno” para cagar a Bryan Singer, esto fue el tiro que inicio una guerra (civil??) entre Fox y Disney nunca antes vista, donde Marvel (la editorial) empezó a boicotear su propios productos a efectos de “no hacerle publicidad” a los X-Men y a los 4F cuyos derechos de cine los tiene Fox, algo repito increíble que demuestra que los cómics les importa un carajo.
Ah el resultado de esto fue la readquisición de Spiderman que estaba en poder de Sony, también apuntada por Marvel Studios.
Pero no divaguemos, no sé porque las pataletas de Feige si Quicksilver es poco y nada desarrollado en la trama, incluso se puede decir que es mucho más inteligente e interesante la versión de Singer, pero repito volveré a ello más tarde.
Pero no se confundan la película me gusto y mucho, es una gran película para ver en cine con unos impecables efectos especiales y es sensacional ver las peleas y a los avengers volando de manera sincronizada, como por ej. En la primer escena en el raid contra HYDRA, realmente impresionante.
También me gusto el hecho de que esta película siga a “El soldado de invierno” casi casi los “Vengadores 1.5” ya que la importancia de esa película para este universo es tremenda, además de tener apariciones de la Viuda Negra, Fury, María Hill, la introducción de Falcon todos personajes que reaparecen en esta peli.
También es de hacer notar que casi sacan de continuidad la polémica “Iron Man 3” ya que no hay casi noticias de esa película, en donde Tony Stark sufría muchos cambios al final destruyendo todas sus armaduras y logrando sacar la metralla de su corazón.
No se menciona nada de eso en esta película, incluso uno puede saltar de los Vengadores a la segunda del capitán y a este film y entiende perfecto todo.
Si se presta atención se puede ver a Tony tomando un batido muy parecido a los que necesitaba para contrarrestar los efectos de la radiación.
Vamos a lo bueno:
Me pareció piola (al contrario de lo que dije antes) la utilización del Vibranium y las crípticas alusiones a Wakanda, que pueden pasar desapercibidas pero esta todo armado para que el personaje que encarna el genial Andy Serkis (Gollum, César en el Planeta de los Simios) se convierta en Klaw y para que aparezca el rey de Wakanda “Black Panther” en la próxima película (dicen que va a ser en Civil War).
También me gusto que se le diera mucha chapa a Hawkeye GRAN PERSONAJE y realmente el alma de los Vengadores, acá parece el Clint Barton que escribía Busiek, con una chapa tremenda dándoles consejos a los jóvenes sobre como ser un Vengador. El tema de la familia secreta esta sacado directamente de los “ULTIMATES” el windows operativo de esta versión.
Esperemos que no terminen como en dicho cómic.
En la serie de TV “Agentes de SHIELD” anda correteando por ahí “Pájaro Burlón” Bobbi Morse, la esposa de Clint, no sé como podría evolucionar la relación en este particular universo catódico cinematográfico.
Me gusto la versión de la Bruja Escarlata, mostrando poderes muy interesante que van desde la precognición hasta telekinesis y alteración de la realidad. No tiene mucho más desarrollo pero esta planteada la relación con La Visión, su pareja de toda la vida en los cómics y también el pathos de haber perdido a … alguien especial (saraaa).
En cuanto a Quicksilver, digamos que me quedo con la versión de Singer del año pasado, que tiene los ribetes de rebeldía del original.
También hay que decir que debido a los problemas legales de Marvel con los derechos de los personajes se presentaron a los personajes como “aumentados” por los experimentos del Barón Strucker, no sé si van a indicar que son la versión de los gemelos Fenris (los verdaderos hijos del barón) en este universo o que van a ser inhumanos pero yo prefiero que dejen el asunto ahí.
Como ya sabrán los que me leen los originales tenían un origen distinto: primero eran mutantes gitanos salvados por Magneto en Europa Oriental de ser linchados, luego descubrían que eran hijos del Wheezer y Miss América héroes de la segunda guerra mundial y posteriormente John Byrne (con ayuda de Roger Stern y David Micheline) hacía oficial la fan teoría de que eran los hijos de Magneto, algo que les calzó como un guante. Esta es la versión que se mantuvo en la versión de Singer.
No me voy a referir a la barrabasada que hicieron en los cómics. No entiendo porque los personajes originales tienen que adaptarse a otros formatos, porque el día de mañana seguramente Marvel Studios recupere a los X-Men y van a tener que deshacer todo de vuelta.
Por último quiero hablar de la Visión, cuyo origen puede resultar traído por los pelos pero esta súper simplificado con respecto al cómic. El tema es que el personaje creado por Roy Thomas y John Buscema es una especie de frankestein superhéroico compuesto de partes de otros personajes. Tiene el nombre de un personaje de la segunda guerra mundial (era un marciano … extraño simetría diría Rosrach), el cuerpo de la antorcha humana original y las pautas mentales de Simon Williams, alias Wonder Man personaje que se unío y murió a los Vengadores en el mismo número (luego resucito pero esa es otra historia).
La Visión es uno de los Vengadores más clásico (y constantes a lo largo de las formaciones) que existen y realmente me gusto lo que hicieron con él aunque me gustaría que en la próxima película desarrollen un poco más los poderes.
Bueno creo que no deja nada más en el tintero linda película, técnicamente impecable pero que se preocupa más por desarrollar las próximas películas que por lo que esta contando.

Que la fuerza te acompañe (y el cansancio no te agarre)

Buenas y Santas! El día viernes 8 de Mayo se corrió la segunda edición de la Star Wars Run en el marco de los festejos en Argentina del Star Wars Day y Maldito Cerrado estuvo ahí para contarte de qué vino esta edición como no lo viste en ningún otro lado. Posta, lo que voy a contar no lo leí por ahí en ninguna nota.
Por qué encabezo así mi post? Porque a mi entender no todo fueron rosas en este evento. En principio, vamos a separar los tantos: Por un lado tenemos lo que serían los festejos por el Star Wars Day y por el otro el evento que se da dentro de ese marco, que es la Star Wars, así que vamos a empezar por lo primero.
El Hipódromo de Palermo fue el marco ideal para la celebración y daba cierta gracia el contraste de los muchachos chivados o con sables láseres mezclados con las señoras paquetas que juegan a los tragamonedas, pero ahí estábamos, mezclados, como en el bar de Mos Eisley. Al llegar, nos acreditamos como prensa (porque si, ganamos ese derecho y lo pensamos mantener!) y paseamos por las instalaciones. El banco que estaba como auspiciante (El cual otorgaba un "beneficio" a sus clientes, que se tradujo más que en un problema) con promotoras al tono, ofrecía un podio en donde uno podía subirse y sacarse una foto en el primer puesto, mientras Yoda hacía de Cebollita y Vader era el que ganaba el partido que nadie quiere jugar. Después, tenía otro stand, del cual no podemos hablar porque era solamente para clientes Infinity, las desventajas de ser pobre...
Teníamos también una reproducción de la cabina de mandos del Millenium Falcon (muy bien lograda) donde podíamos sacarnos fotos y simular nuestro viaje hiperespacial. El del proveedor de internet, bueno, promocionaba sus servicios y poco más. Estaban los muchachos de los fans clubs disfrazados de la mayoría de los personajes de la saga, que eran los verdaderos protagonistas del festejo y, por qué no, los que mantenían la fiesta a flote. Porque lo oficial, lo que se dice oficial, era bastante pobre.
Es verdad, había un escenario IM PO NEN TE como diría cierto cuervo famoso, pero lo que se exhibió sinceramente no aportó demasiado al festejo. O sea, pasar el trailer de la nueva película (el cual se transmitía ad eternum en un camión gigante con una pantalla idem a metros del escenario), o el trailer de Star Wars Rebels (O sea, un trailer de una serie que viene dándose hace un año...)o el del lanzamiento en digital de toda la saga como si fueran los eventos principales, bueno, deja un toque que desear. Hubiese preferido que pasaran algunas imágenes del Star Wars Day de USA, alguna entrevista o cosas así que no se vieron, pero bueno, peor está México que ni carrera tiene...
Hubo un concurso de cosplayers, pero quien escribe no puede aportar nada, dado que se hizo mientras estaba dejando piernas y pulmones en el centro de la pista y no precisamente por bailar... Lo que nos lleva a charlar del segundo punto.
La maratón este año invitaba a formar parte de los Rebeldes (con camiseta azul) o el Imperio (de color rojo). Elegí ser parte de la Rebelión, pero cuando pude retirar mi kit (gracias a mi sobrina) no había de mi talle, así que me tocó ser del Imperio. O sea, era como Finn, de la nueva saga, el soldado que parece se pasa de bando. Esta vuelta le agregaron un kilómetro más en honor a la nueva película, pero no fue lo único que cambió, en mi opinión, para mal. Primeramente, el año pasado en cada kilómetro había un miniescenario con el nombre de la película que representaba y un cosplayer caracterizado como un personaje de la misma. En esta edición, sólo hubo dos, al kilómetro y a los 3k, después eran solo banners que poco tenían que ver con cada película (En Episodio IV aparecía un clon de El ataque de los Clones, por ejemplo). Y el puesto de hidratación estaba en el kilómetro 5, costaba más llegar que pasar el desierto de Tatooine...
Pero, es dable decirlo, el terreno era mucho mejor que el año pasado, sin variaciones, era siempre dentro de la pista, en la edición anterior pasaba del pasto a la tierra y eso cansaba y mucho. Eso fue un acierto de la organización que facilitó llegar a la meta. 
El show se cerró con la llegada de los últimos corredores, la entrega de premios a todas las categorías y no mucho más. La noche se apagó con la promesa de volver el año próximo. La noche fue una fiesta, si, la gente estaba feliz pudiendo ser el personaje que admiraban o estar rodeados de todos los elementos del mundo que adoran, pero si no fuera por eso, hubiera dejado un sabor amargo.
O sea, se agradece que un evento de esas características se haya vuelto a organizar, con todo el trabajo que eso lleva, pero también hubiera estado bueno que aporte algo más que sólo un lugar donde encontrarse con gente con los mismos gustos. Si quieren darle un poco más de valor, no te digo que lo traigan a Hammil, pero podrían aportar cosas que en un mundo globalizado como el de hoy no podamos ver sentados en nuestra PC o desde nuestros celulares. Algo de eso se le reclamó a la ComiCon el año pasado y este tuvo uno que otro plus, es hora que la gente de Disney repase el evento y apunte un poco más alto. Seguidores no les va a faltar, tuvieron como 10.000 almas juntas celebrando el evento, es un número más que aceptable para tomar en cuenta y sumarle valor agregado a la nueva entrega.
Cerrados saludos!

Es hora de los golpes!

ARQUEOLOGÍA COMIQUERA: 
EL ADN DEL HÉROE MARVEL
Por Lucas
El axioma de los héroes de Marvel siempre fue “superhéroes con súper problemas”.
Iron Man dependía de su armadura atento a su afección cardíaca, el Capitán América era un tipo desterrado de su tiempo pero además vivía perturbado por la muerte de Bucky (piensen esto un momento Stan Lee mató al robin del capitán cuando lo reintrodujo en Avengers nº4); Spiderman era debajo de la máscara un adolescente con problemas financieros de todo tipo; los X-men pertenecían a una raza odiada por el resto de la población y hasta Thor el dios del trueno estaba atado a un alter ego tullido que suspiraba de amor por una enfermera. 
Pero el ADN del héroe Marvel proviene de nada más y nada menos que de Ben Grimm, alias The Thing, la Cosa o la Mole para los hispanoparlantes.
Ben Grimm aparece en el primerísimo número de los 4 Fantásticos en 1961. 
Esa revista fue con la que comenzó el universo marvel moderno y fue un piletazo de aquellos de la editorial que había pasado por varios nombres, primero Timely, luego Atlas y ahora se renombraba teniendo en cuenta la primer revista publicada Marvel Stories en cuyo primer número apareció el primer superhéroe de la editorial: La Antorcha Humana original. 
La leyenda urbana cuenta que un ejecutivo de Nacional Periodical Publications (¿Cómo no les suena? Ok hoy es conocida como DC ) se mofó de las tremendas ventas que estaban teniendo con la revista de la Liga de la Justicia en un partido de golf que estaba teniendo con Goodman que era el dueño de una editorial mediana pero que no había dejado de publicar en el mercado. Cuando termino el juego Goodman inmediatamente llamo al entonces editor en jefe de la editorial un tal Stanley Lieber que además era su sobrino político y le ordenó que volviera a publicar un cómic de superhéroes y de ser posible un cómic de grupo. 
La leyenda urbana subsiguiente es que Lieber estaba a punto de abandonar su puesto y probar suerte como verdadero periodista, lo consulto con su esposa y esta le dijo: “Hacé algo que tengas ganas de reazar” y así tuvo la epifanía que lo llevó a crear a los 4F. 
Si bien puede haber algo de verdad en esto si se observan los primeros números de los 4F se verá que no todo fue “inspiración divina” y “tiros a ciegas” sino que hay un desarrollo meticuloso de la formula a implementar. 
En primer lugar hay que mencionar a Jack Kirby  quizás uno de los dos dibujantes más importantes de la industria del cómic de superhéroes (el otro es ni más ni menos que Joe Shuster que diseño la formula de la coca-cola). 
Sin Kirby nada sería igual pero también porque la base de los 4F son los “Challengers of the unknow” o Retadores de los Desconocido, un cuarteto de héroes en mameluco que se ocupaban de monstruos o situaciones de ciencia ficción. Esta fue la serie que estaba haciendo en DC el rey antes de que se fuera a Marvel. 
En segundo lugar Lee y Kirby apostaron a seguro metiendo en el nuevo grupo un personaje que llevaba el nombre y los poderes del que había sido uno de los personajes más famosos de la editorial en los 40s: la antorcha humana.
Pero además Johnny Storm era un héroe adolescente de arriba abajo, no era un simple sidekick (concepto que Lee odiaba con una fura sideral). Fue el primer golazo de la colección, uno de los primeros personajes en gozar un serial indivual aunque con el tiempo sería totalmente eclipsado por La Cosa. 
En Reed Richards y Sue Storm, nos encontramos con el científico que tanto aparecía en las historias de Marvel de los 50s (incluso la retrocontinuidad sitúa a Reed viviendo aventuras previas a los 4F que siguen el tono de las bizarras historias de esta época) y segundo el romance de la parejita seguía el modelo de los cómics de romance que Kirby mismo había ayudado a crear. 
Y por último en Ben Grimm teníamos a un personaje que podía haber aparecido tranquilamente en las historias de monstruos de la época, incluso en el primer nro combaten a un bicho gigante onda Godzilla que va por esos carriles. 
La colección fue creada viendo que no se atrevía a hacer DC, los héroes fumaban, se puteaban, sufrían, las historias continuaban al estilo de las daily strips de los diarios y se peleaban entre ellos bastante a diario.
Ah y claro apareció la continuidad como una forma de vender más cómics, pero esa es otra historia. 
Volviendo a Ben Grimm, el mismo es la clave de la formula que va a utilizar Marvel por décadas: un tipo que tiene un superpoder que es más un handicap que otra cosa, verdaderamente poderoso pero a su vez realmente un discapacitado.
No sólo eso sino que su mejor amigo es quién lo desfiguró. Pero hay otros detalles interesantes en la Cosa, en primer lugar el hecho de que es una bomba a punto de estallar. En los primeros números era moneda corriente que Reed o Sue tuvieran miedo de que Ben estalle y mate a alguien o simplemente noten que en cualquier momento podía estallar. ¿Les suena a alquien? Sigamos: El personaje es un veterano de guerra un ex piloto de la fuerza áerea que además al principio esta enamorado de la mina del líder del grupo. ¿Les suena? Y sí porque hay mucho de Wolverine que esta claramente inspirado en The Thing. 
Es extraño que mencionen al primer héroe “bad ass” o antihéroe de Marvel a Wolverine cuando La Cosa estallaba y quería asesinar a la Antorcha Humana cuando le hacía una joda, pero el momento que me hizo pensar en esto fue al final de la saga “El asedio del edificio Baxter” en donde los 4F (y Daredevil que aparecía para promocionar su flamante revista) tenían que combatir a un Dr. Doom que se había apoderado de su cuartel general. 
Al final de la historia un Ben Grimm que había recuperado su humanidad unos números atrás debe someterse a una ración de rayos cósmicos para vencer a Doom. 
Obviamente se vuelve a convertir en la cosa de ojos azules pero esto lo pone de la cabeza y termina dandole una paliza a Doom de aquellas al punto que Reed Richards lo intenta parar para que no lo mate pero La Cosa le termina lastimando las manos de muy mala manera a Doom. 
Comparemos esta escena con los cómics que publicaba DC en esa época (mediados de los 60s) y piensen como se sorprendieron los lectores de ese momento a ver a este tipo sufrido que se sacaba y realmente hubiera matado al peor enemigo del grupo. 
He ahí entonces al padre de TODOS los héroes Marvel. 
Larga vida a la obra de  Stan Lee y Jack Kirby!!!!!!

Al servicio secreto del maldito dossier

BOND DOSSIER PART FOUR:
THE LAZEMBY HIATUS
For Agent Luke.
Saludos a los dos o tres que me leen, en esta parte nos encontramos en un momento inédito en la franquicia, es el momento de presentar a un nuevo James Bond, algo a lo que estamos acostumbrados en el siglo XXI pero que en ese momento era una novedad absoluta.


 
1969 - “On her majesty´s secret service” 
(Literalmente “Al servicio secreto de su majestad”)
Director: Peter Hunt.
Bond: Roger Lazenby.
Villano: Blofeld (Telly Savallas) y SPECTRE.
Chica Bond: Contessa Teresa Di Vicenzo (Diana Riggs, la Emma Peell de los Vengadores) entre otras;
Gadjets: Todos absolutamente plausibles: el safe cracker (dispositivo que permite abrir una caja fuerte y fotocopiar el contenido); una mini cámara de fotos y un par más pero es una película sin muchos truquitos.
Tema musical: “Al servicio secreto de su majestad” tema instrumental por John Barry.
Llegamos a un momento histórico de la franquicia en donde se produce un cambio de Bond por primera vez en la historia.
Hoy estamos acostumbrado a esto, sin ir más lejos en mis 31 años ví cuatro Bonds hasta el momento (Moore, Dalton, Brosnan y Craig) pero en el contexto de la época Sean  Connery ERA Bond.
Salvando las distancias es como si Marvel/Disney hoy anuncia que reemplaza a Robert Downey Jr como Iron Man por … cualquiera que pasó por la puerta del estudio.
Porque ese es el problema con esta película Roger Lazenby es un actor de madera terciada al que tiran en medio de una trama súper compleja (para el delirio de los films del 007) y la que sea tal vez la única película en casi 40 años que va a tener desarrollo de personajes.
Pero vamos por el principio, Connery cuelga el peluquín aduciendo que quería descansar, que no era un tema de plata (cosa cierta porque le ponían el oro y el moro para que siguiese) y se iba a desarrollar una carrera actoral más diversificada algo que le costo muchísimo como veremos después.
La EON que en ese momento ya tenía un equipo de gente que sacaba películas del 007 de manera muy aceitada (con Richard Mainbaum jefe de escritores, John Barry en la música y un ejercito de técnicos con Peter Hunt y John Glenn a la cabeza) decide emprender la tarea de reemplazarlo.
Hay muchas leyendas respecto a los candidatos pero de todos los que dieron vueltas los más plausibles son dos: Timothy Dalton que era muy pendejo en ese momento (y que llego a decir que no quería el papel)  y Roger Moore que siempre estuvo en carpeta y que en ese momento era una estrella mundial con su serie hitazo “El santo”.
Lo cierto es que se decantaron por un modelo publicitario que estaba de moda por unos comerciales de chocolates que convenció a Broccolli y Saltzman (los productores) a merced de un lobby furioso.
La leyenda sobre su casting cuenta que los convenció cuando le rompió la nariz a un extra en una prueba de destreza física, eso y que era muy barato.
El detalle de tener un Bond novato se intentó saldar con un casting de verdadero lujo con la incorporación de Diana Rigg que dejaba la serie Los Vengadores para convertirse en la chica Bond más compleja de la historia (y una de las más importantes) pero al igual que Honor Blackman no tendría una carrera relevante luego de esta película.

El otro actor de renombre es Telly Savallas, si el ultra famoso Kojak aquí es Blofeld, con su pelada, su trajecito y su gato de angora. 
Con Savallas se inaugura la idea de que Blofeld aparezca interpretado por un actor diferente cada film, quizás para reforzar la teoría de que es un maestro del disfraz y es muy difícil rastrearlo de película a película (algo que no se deja claro en la serie).
Como saben que me encanta desvariar les comento que existe una teoría internetera que especula con que en realidad Blofeld es el gato de angora y que por eso siempre aparece como un actor distinto, los cuáles serían sus anfitriones, pero dejemos por un momento las teorías fringe por un instante.
Cómo les mencione en la parte anterior del dossier, el villano y SPECTRE aparecían en la novela THUNDERBALL que iba a ser la primera para adaptar, pero los tremendos problemas legales por la autoría de la novela, echaron para atrás a la EON y siguieron adelante.
Thunderball es parte de lo que se conoce como “la trilogía Blofeld” de Flemming, en la primera es presentado el villano y su organización  luego Bond lo enfrenta en “Al servicio …” y posteriormente el 007 se tomaría revancha en “Sólo se vive dos veces”.
Cómo explique en su momento en su momento luego de Thunderball iban a adaptar “Al servicio…” pero tuvieron problemas con las locaciones y pasaron a “Sólo se vive…” como esta era la continuación directa de la anterior se inventaron una historia totalmente nueva y ahora que iban a adaptar “Al servicio …” se generaba un problema cronológico en la historia.
Por supuesto les importo tres belines y la adaptaron tal cual, lo que trae varios desajustes en la trama como el hecho de que Bond y Blofeld no se reconocen cuando se encuentran cara a cara.
Esto podría explicarse desde el punto de vista de Bond porque Blofeld pudo haber alterado su rostro pero porque el dolape no reconoce al 007??
La explicación (además de la alteración del orden de las novelas) tiene que ver con una decisión crucial que tomaron los guionistas (Richard Maimbaun a la cabeza) ya que en el guión original de la película se explicaba que Bond  SE SOMETÍA A UNA CIRUGÍA PLÁSTICA FACIAL a efectos de poder dedicarse a la caza de Blofeld sin problemas.
Esto hubiera sido una decisión radical, el hecho de explicar el cambio de jeta de Bond, a partir de ahí nunca más nos van a explicar porque Bond cambia de cara y hasta de edad de película a película.
Mi teoría personal es que la nomenclatura de 007 (y el nombre de James Bond junto con algunos de sus recuerdos) es injertado a diversos agentes que son suplantados cuando los matan y/o van envejeciendo.
Eso explicaría el porque el 007 no envejece aunque su entorno si lo haga (M ; Q y Monneypenny) y porque el carácter del personaje va variando de película a película.
Pero volvamos a la película el director es el debutante Peter Hunt que era el director de segunda unidad de las películas anteriores.
Para que entiendan el director de segunda unidad es el encargado de las escenas en exteriores, las de menor importancia pero en el caso específico de los films Bonds es quién filma las escenas de acción, algo que se mantiene hasta la actualidad.
Esto explica porque las escenas de acciones son lo mejor que se vio en la serie hasta el momento con tremendas persecuciones de sky y peleas cuerpo a cuerpo.
Pero también explica el porque no supo couchear nunca a Lazenby en sus escenas dramáticas, algo que hizo que el australiano fuera rechazados por los actores más profesionales del plantel.

El fracaso de la película recayó en Hunt que fue despedido y reemplazado en su puesto de director de segunda unidad por John Glenn que posteriormente pasaría a dirigir muchos films bondiolas.
En sí la película tiene sus altibajos si bien es un gran film con grandes escenas sobretodo cuando se mantiene fiel a la novela y grandes escenas de acción con Lazenby demostrando que es muy bueno para las escenas cuerpo a cuerpo (incluso el australiano casi no usó dobles) cae estrepitosamente en la escena de la guarida de Blofeld cuando Bond se hace pasar por un especialista gay en arbóles genealógicos y termina volteandose una a una a las minas que estaban recluidas en el spa.
La escena es larguísima, mal actuada por parte de Lazenby que acá requería o la mala leche/cinismo de Connery o el timming cómico de Moore o por lo menos parte del carisma de ambos pero el pobre es de madera terciada.
Salvando esa parte el resto es realmente muy bueno, incluso las escenas románticas con Diana Rigg.
Volviendo al australiano encarna claramente al Bond/Connery ya que tiene las mismas clases de escenas donde se lo intenta mostrar expeditivo y violento y algo cínico despachando chistes cada vez que asesina a alguien … pero no funciona porque ese es el Bond de Connery no el de Lazenby.
En cambio donde si funciona es en las escenas de acción en donde es realmente bueno incluso mejor que el escocés y hasta en las escenas dramáticas como la escena en Piz Gloria donde lo están a punto de asesinar y lo salva Tracy se las arregla bastante bien.
Los productores tal vez olfatearon que con otro tipo de película más light, con un guión más tranquilo y con la sombra del peluquín más lejos Lazenby se podía llegar a asentar y le ofrecieron un contrato por SIETE  FUCKING películas y en una de las movidas más desastrosas que un actor (o pseudo actor) pueda tomar para su carrera LO RECHAZO.
Incluso empezó a dar notas en pleno rodaje diciendo que no volvería al personaje y que su intención era rodar spaguethi western y películas de acción asiáticas.
Obviamente cuarenta años después sabemos que se pego con un paredón de frente y después cuando se levanto se lo volvió a pegar.
Lazenby seguiría lucrando con el personaje en comerciales o en este cameo en la película para televisión del Hombre de CIPOL:

Ahora pasemos a hablar un poco del tema principal de la película compuesto por John Barry:

El tema fue compuesto por Barry como reemplazo del tema principal de Bond el de Monty Norman y esta considerado como una de las mejores bandas sonoras de toda la serie.
Posteriormente sería la base del tema principal de la película Los Increíbles (Brad Bird) de Pixar que tiene un enorme tufo Bondiano (aunque como ya dije el cómic de superhéroes absorbió a Bond como el colectivo Borg).
Finalmente hay que hablar un poco sobre el final de la película, que no voy a spoilear porque es tremendo y lo deja a uno con una calentura terrible y es la primera vez que Bond la pasa realmente mal y en cierta medida pierde.
El mismo es el de la novela y fue respetado a rajatabla incluso estaba escrita una escena que iba a servir de epílogo en donde Bond se enfrentaba a Blofeld en un helicóptero pero fue pospuesta para la siguiente película.
Se suponía que “Los diamantes son eternos” iba a abrir con dicha escena pero la pésima recepción de crítica y el hecho de que fuera la película Bond más floja en taquilla a la fecha (no fue un flop igual) hizo que la EON quisiera barrer la película bajo la alfombra.
Como dije rajaron a Peter Hunt de manera inmerecida a mi entender, y para la siguiente se lanzaron a conseguir a cierto escocés para que se pusiera de vuelta el peluquín pero eso lo veremos después.
Con respecto a la escena del helicóptero fue desechada y recién bien entrada la era Roger Moore se llevaría a cabo como veremos.
Por último quiero mencionar que hay dos personajes de Batman que han sido super mega ultra adaptados que fueron pegados y cortados de esta película.
Marc Andre Draco  es el capo de una organización criminal europea, se entera que hay onda entre Bond y su hija Tracy  De Vicenzo y le ofrece al 007 no sólo la mano de su problemática hija sino el sillón de su organización.
¿Les suena? Bueno Denny O Nell, legendario escritor y editor de Batman dijo que tanto Draco como Tracy fueron la inspiración directa de R`has Al Ghul y Talia.
Acá les dejo la ficha del personaje en wikipedia: 
Y una entrevista de Denny O`Neill donde revela que es fanático de Ian Flemming: 
Bien hoy nos dedicamos a una película pero el maldito dossier volverá en …
“CASINO POSTALE”

GRANDES HEROES o Disney revolviendo la bolsa de regalos de Marvel

GRANDES HEROES (2014)
Dirigida por  ,  
Reseña Huguito 
Como todos sabemos, el ratoncito con guantes, como el castillo de Disneylandia le quedaba chico, se compró La Casa de las Ideas porque le sobraban unos morlaquitos por ahí. Por eso era cuestión de tiempo hasta que Disney metiera las narices en los personajes que podía sacar de Marvel para explotar en la pantalla grande. 
Pero no iban a andar quemando los personajes principales (Para eso están las series animadas que bastante daño les vienen haciendo) sino que decidieron explotar algunos héroes olvidados o poco utilizados por un doble provecho: Por un lado, si la cosa sale mal no se arruinan a las gallinas de los huevos de oro de entrada. Por el otro, si sale bien se puede sobreexplotar una franquicia que estaba juntando mugre en un cajón. 
Big Hero 6 fue un grupo de superhéroes de origen nipón que que iban a aparecer por primera vez en Alpha Fight N° 17 por Steven T. Seagle y Duncan Rouleau y dicha idea terminó derivando en una miniserie propia antes incluso que salga dicho número. Una locura.  En su formación inicial estaban Hiro, el robot Baimax (Que era más tirando a dragón), Go go, Silver Samurai, Honey Lemon y Sunfire, el ponjita de los X-Men de Claremont y Byrne. Y no fue muchos años después y precisamente de la mano de Chris que volvieron a las andadas en otra miniserie, de donde quedaría la formación casi como se la conoció en el celuloide, con algunos cambios, como vamos a ver a continuación. 
Un dato no menor: Los dos creadores del grupo son casualmente dos de los fundadores de Man Of Action, la empresa creadora de, entre otros, Ben 10, Generator Rex y toda la nueva saga de animación de Marvel (Ultimate Spiderman, Hulk y los Agentes de SMASH y Vengadores: Reunidos). Y esto último da la pauta de por qué se eligió este grupo como punta de lanza de la fusión Disney/Marvel en el cine, siendo los creadores de los personajes partes del guión de la película. 
Grandes Héroes tiene un par de puntos divergentes con la serie original, pero el espíritu es el mismo: La historia cuenta como Hiro, un joven tan inteligente como rebelde, convencido por su hermano Tadashi, crea unos nanobots para ingresar a la universidad donde su hermano estudia y forma parte de un grupo de nerds coloridos, cada uno con sus propias habilidades.
Tadashi creó al robot Baimax, un simpático muñeco michelín pero sin rollos que fue desarrollado para la atención y cuidados de personas enfermas.
Hiro y Tadashi viven con su tía Cass, dado que sus padres fallecieron (infaltable Disney N°1). 
El día de la presentación, el director de la Universidad, el Profesor Callaghan, queda impresionado con las habilidades de Hiro y le ofrece formar parte del grupo de su hermano. Pero no es el único interesado en su trabajo, el magnate Alistar Krei también le ofrece a Hiro comprarle sus robots, pero finalmente le chico decide seguir los pasos de su hermano. Final feliz, todos contentos. 
Pero esto es Disney, amigos... 
Cuando Hiro y Tadashi estaban reflexionando fuera de la exhibición, se desata un feroz incendio en el interior y el hermano mayor, al enterarse que el Profesor Callaghan seguía dentro, decide ir a buscarlo. Y como dije, el ratoncito hace su magia (Infaltable Disney N°2). La muerte de su hermano coloca a Hiro en un estado depresivo que le impide realizar cualquier cosa, hasta que un día, por un accidente casero se activa Baimax, presto a curar las heridas del chico. Y cuando Hiro se proponía a guardarlo nota que un nanobot se reactiva y entonces el robot, pensando que la solución al problema de salud de su "paciente" era encontrar la razón por la que el nanobot se comporta así, termina siguiendo el rastro de éste. 
Así los dos terminan en un hangar abandonado, donde comprueban que se estaban fabricando a gran escala millones de los nanobots y hace su entrada el villano de la cinta, un ser vestido completamente de negro y con una máscara de estilo kabuki. Luego de salvar su vida de milagro, Hiro piensa que debe modificar a Baimax para combatir a este enemigo que se hizo con su idea, pero luego de otro encuentro del que se salva gracias a la ayuda de sus amigos se da cuenta que no puede pelear solo, y les propone al resto formar un grupo de super nerds para combatir al malvado, ya que sospecha que es la clave de la muerte de su hermano. 

Esa es la premisa básica del film, un película con un nivel de animación al que nos tiene acostumbrado Disney. 
Siendo la ciudad de Sanfrantokio parte importante de la trama, por el colorido de sus calles y la fusión de elementos orientale y occidentales.
Respecto al comic, la historia tiene algunos ligeros cambios, como el creador de Baimax (en el comic era el padre de Hiro, acá es el hermano) incluso la forma del robot; Wasabi, que en el film es afroamericano en el comic era un cocinero japonés (lo que tiene mucho más sentido con el nombre) y Honey Lemon en el comic tenía un bolso con una dimensión de bolsillo en su interior, del cual sacaba todo tipo de artilugios y acá es una científica con un bolso que le permite crear diferentes compuestos (goma, hielo, etc) en forma de pelotitas de colores. GoGo sigue siendo la velocista que lanza discos y Fred pasó a ser la parte cómica de la cinta.
La historia tiene algo raro y es que puede ser tomada a la ligera y pareciera que le falta algo y si se la toma tan rigurosa medio que resulta bastante dura para los chicos. Porque puede pasar a ser una historia de superhéroes como las que conocemos o puede ser una historia de revanchas constantes.  
Queda un mensaje bastante colgado, que debió ser más explotado a mi entender, pero no hubiera tenido el final que tuvo. Voy a spoilear algo y espero que lo salteen: 
En un momento, cuando el equipo queda conformado y Baimax termina con todas las actualizaciones, el robot interpreta que Hiro ya está curado, porque sus pautas cerebrales retomaron impulso. Si se quedaba ahí, el mensaje era que lo que te salva es la amistad, no la revancha, pero la película sigue por otro rumbo. Ni en el final se le da relevancia a esto, un punto flojo, desde mi punto de vista.
En definitiva, Grandes Héroes es una película que van a disfrutar los chicos, especialmente los varones, y divierte a los grandes pero que puede llegar a generar sentimientos encontrados. Creo que Disney puede encontrar su nueva gallinita de los huevos de oro como con Guardianes de la Galaxia, pero nunca se sabe, por ahí los terminan frizando como a Los Increíbles. Veremos  
P.D.: El corto inicial, "Festín", es imperdible. Vayan temprano y véanlo, si tienen perros lo van a disfrutar. Y si están en pareja o tienen hijos, algún lagrimón se les va a caer.
P.D.2: Es una película de Disney, pero también es de Marvel, así que hay escena post créditos y de las que nos gustan a los comiqueros. Vale la pena la espera 
Saludos chicos!

Solo se vive tres veces...

BOND DOSSIER: PART  THREE. 
FILE: “THE CONNERY YEARS”. 
FOR  AGENT LUKE.
Continuamos con la tercera parte del malditodossier dedicado a James Bond (o a su saga fílmica mejor dicho). En la primera parte vimos el origen de la serie cinematográfica y como Sean Connery se hizo con el papel. En este momento cronológico vamos a adentrarnos en las películas que generaron una Bondmanía furiosa, es decir la “edad de oro” del personaje, pasemos a las reseñas: 
 
1964 - Goldfinger  
(Dedos de oro)
Dirigida por: Guy Hamilton
Bond: Sean Connery
Villano: Auric Goldfinger (Gert Frobe)
Secuaz: Oddjob, el chino gigante que tira el sombrero (Harold Sakata)
Bond girl: Varias pero la más importante es Pussy Galore (Honor Blackman)
Tema musical: Goldfinger (Shirley Bassey)
Gadjets: Puff muchos en principio el Aston Martin DB5 cargado de armas. 
LA  película de Bond, al día de hoy nos puede parecer un poco lenta y hasta que tenga puntos incoherentes (ahí esta otra vez Scott Evil gritando “PARA QUE LO TENÉS PRISIONERO PEGÁLE UN TIRO”) pero es la película con la que todas las piezas calzaron y además se convirtió en el modelo de fábrica para todas las demás. La película gira en torno al plan de Audric Goldfinger respecto del oro almacenado en Fort Knox. El villano es uno de los más carismáticos de la serie, es despiadado pero no llega a ser un hijo de puta. Otro punto fuerte de la película es que acá aparece los elementos definitorios de la serie: nos encontramos propiamente con el laboratorio de Q, las escenas y diálogos fueron parodiados hasta el hartazgo (“Yo no juego con mi trabajo 007” frase de cabecera de Q) en series como “el Agente 86” o “la Pistola Desnuda” que en Argentina ya son parte de nuestra cultura popular.
Acá aparece el primer auto tuneado de Bond, el espectacular Aston Martin DB5. La leyenda cuenta que la EON tuvo que comprar dos autos para usar en la película. Como ya sabemos con el diario del lunes el éxito del film fue tal que la empresa cuadruplico los pedidoS así que como es lógico la EON no volvió a pagar jamás para incluir un coche en pantalla.
El Aston Martin es el equivalente de Bond al Batimóvil de Batman, y sería utilizado en la siguiente película pero recién en la época de Brosnan se lo incluiría en el canon de la serie como el coche personal de Bond, algo que se mantiene en la serie actual de Daniel Craig.
La escena en la que Bond irrumpe con el Aston Martin en la fábrica de Goldfinger es sospechosamente similar a cuando el Batimovil entra a la fábrica del Joker en la primera de Tim Burton. 

También es la primera vez que tenemos a un secuaz o “henchman” como le dicen los anglos ya que el Red Grant de la anterior era una villano en toda regla. 
Oddjob es el prototipo de otros personajes como el Barón Samedí y sobretodo Mandíbulas.
Sin contar con que tendría un clon en la saga de Austin Powers en la forma de “Random Task” (Oddjob= tarea extraña, Random task= tarea aleatoria) que tira un zapato en vez del sombrero. 
Otro detalle a tomar en cuenta es que la Bond Girl principal Honor Blackman (que hace de una lesbiana reconvertida por los encantos conneristicos) era la estrella junto a Patrick Wilson, más conocido como el agente secreto John Steed en la serie británica  “Los vengadores”.
Blackman dejaría la serie para adentrarse en una carrera cinematográfica que tendría que haber explotado con esta película pero nunca sucedió. Su papel en la serie sería reemplazado por Emma Peel (Diana Riggs) que a su vez dejaría la serie para ser Bond girl (les suena?) Hay que añadir que Wilson también aparcería en la serie pero no como chica Bond ojo.
Por último baste mencionar que esta película es un clásico total y casi todas sus escenas han sido homenajeadas y/o parodiadas: el teaser con Bond sacándose el traje de buzo para descubrir que abajo tiene un smoking, el primer contacto con Goldfinger que trae como consecuencia la muerte más famosa de la serie; el partido de golf donde Bond y Goldfinger se sacan chispas; la famosísima escena en donde el villano intenta matar a Bond con un rayo láser mientras este esta atado a una mesa de operaciones (“No, Mr. Bond mi intención es dejarlo morir”) , Bond desactivando una bomba que se detiene en el número 007 y podemos estar toda la noche, vayan descarguensela y listo el pollo… 


1965 - THUNDERBALL 
(En castellano le pusieron “Operación trueno” mejor que la traducción literal “Pelota de trueno”).
Director: Terence Young. 
Bond: Sean Connery
Bond villain: La organización terrorista SPECTRE; Emilio Largo también llamado “number two” (Adolfo Celi)  Fiona Volpe (Luciana Paluzzi)
Chica bond: Domino (Claudine Auger)
Gadjets: el ultrafamoso jet-pack; el aston martin DB5; la lapicera tanque de oxígeno entre otros
Tema: Thunderbal de Tom Jones y John Barry
Bien llegamos al primer film bond-post goldfinger así que si bien este es el cuarto film cronológico en realidad es una secuela del film anterior no en lo argumental pero si en lo estilístico y en ciertos guiños como el pequeño cameo del aston martin.
La leyenda cuenta que esta iba a ser la primera novela a adaptar, por dos razones: el plot de dominación mundial que daba muy bien en una película y en ella aparecía no sólo Blofeld sino la organización internacional terrorista SPECTRE. 
Antes de esta novela Bond se enfrentaba a SMERSH una organización similar pero netamente rusa, además de varios villanos megalómanos al estilo de Fu-Man-Chú.
El problema fue que la novela nació como uno de los tantos proyectos frustrados de Ian Fleming para adaptar al espía al cine y/o tv. Lo que hizo Fleming fue asociarse con varios productores  entre ellos Kevin McClory y redactaron el guión de un film que nunca se concreto y que Fleming refritó como su nueva novela. 
Hubo caos legal líos y cosha golda y le reconocieron la co-autoría de la novela a McClory.
En el medio de todo esto empieza la serie de EON y no se animaron a adaptar Thunderball pero agarraron una novela similiar Dr. NO y la linkearon con SPECTRE, lo mismo con “Desde rusia con amor” que reemplazaron a SMERSH por la susodicha organización. 
Una vez destrabado (por el momento) el conflicto legal adaptaron THUNDERBALL y le dieron co-participación a McClory, pero el conflicto volvería con fuerza como veremos después.
Todo esto me hace pensar que el misterio acerca de la identidad de Blofeld tenga que ver con  una especie de cláusula de escape por si perdían los derechos del personaje (algo que sucedió indefectiblemente) y tenían que salir con un plan b, como que en realidad el tipo que salía de espaldas acariciando un gato fuera una mina o el propio Dr. No o Goldfinger, pero estoy divagando. 
Todo este alteramiento del orden de las novelas traería varios problemas de continuidad en la serie pero eso también lo veremos llegado el momento, ahora pasemos a la película.
En sí esta es tal vez una de las que peor envejeció, no es Dr. No que es prácticamente infumable pero Goldfinger que es anterior parece que haya sido filmada diez años después. 
Esta es la primera superproducción Bondiola, hay una necesidad por lo que llamo “lucir el presupuesto”.
Hay larguísimas y grandilocuentes escenas subacuáticas que pueden llegar a ser interesantes al principio pero llega un momento que uno se hincha las tarlipes. 
Rompo una lanza y digo que para esta película desarrollaron varias técnicas de filmación y que quizás quisieron demostrar el esfuerzo técnico y/o presupuestario pero para mí la culpa la tiene Terence Young.
El veterano director había dirigido las dos primeras películas y casi dirige Goldfinger pero al final no se pusieron de acuerdo con el caché pero con esta vuelve y con él todos los aspectos positivos y negativos de las primeras películas. 
Tenemos situaciones muy bien filmadas como el espectacular teaser que tiene toda la magia y la onda por lo que se hizo famosa la serie. Esta secuencia es casi un corto y es francamente espectacular:

Lástima que el resto alterna grandes escenas como el “meeting” de laburo de Blofeld con sus esbirros (que sería nuevamente parodiada en Austin Powers”) con otras que son soporíferas. 

Pero estas escenas repletas de imaginación se alternan con largas secuencias rutinarias que podrían haber sido editadas y quedaría una película mucho más dinámica y con media hora menos.
No es la mejor de la serie pero es fundamental para entender porque esta serie hizo escuela en cuanto a estilo, ritmo e imaginación. (y sobretodo para entender el 75% de los chistes de Austin Powers). 
Los dejo con el tema musical de TomJones uno de los más famosos de la serie con la versión que se hizo para la serie “Duck Rogers en el espacio” de hace algunos años: 
 
1967 - You only live twice  
(“Sólo se vive dos veces”)
Director: Lewis Gillbert
Bond: Connery
Villano: SPECTRE  y ahora sí ERNST STAVROS BLOFELD in person!! (Donald Pleasence)
Chica Bond: Todas ponjas: Aki (Akiko Wakawabashy); Kissy Susuki (Mia Hama) entre otras
Gadjets: El más sobresaliente es el impresionante autogiro Little Nellie
Tema musical: You only live twice de Nancy Sinatra, la hija de Frank
Termino esta parte del dossier con esta película porque es en muchos aspectos el final de la época clásica de la serie, después de esta habría varios bandazos hasta que se adquiere estabilidad con la llegada de Roger Moore, pero a partir de ahí la serie se va a subir a las modas de la época: la blaxplotation; las artes marciales; star wars; indiana jones, etc y por supuesto a refritar las películas de Connery hasta el hartazgo.
Pero hasta esta película la serie de Bond marcaba tendencia en todos los aspectos. En el apartado técnico siempre innovando en los efectos especiales y en la manera de filmar las escenas de acción y siempre intentando hacer justicia a las novelas de Flemming mostrando locaciones exóticas, filmando en su mayoría en los propios lugares donde transcurre la trama. 
Pero eso nos lleva a la otra cuestión que es la cronología de las novelas que se vio alterada. Cómo mencione la idea original era adaptar en primera lugar “Thunderball” ya que en ella aparecía Blofeld y SPECTRE. Debido a los problemas legales adaptaron “Dr. No” y la linkearon temáticamente a los anteriores. Pero en las novelas Blofeld aparecía en “Thunderball”, se tomaba revancha de Bond de manera muuy sádica en “Al servicio secreto de su majestad” y finalmente la venganza de Bond se daba en esta novela.
Esta es una historia de venganza personal de Bond donde Flemming mostraba al personaje principal deprimido, cometiendo errores en las misiones a las cuáles le encomendaban y descubriendo casi por accidente el escondite de Blofeld mandándose en una vendetta brutal y solitaria. En el medio pierde la memoria y vive un tiempo como pescador de ostras en Japón, donde se casa con una nativa y tiene un hijo. 
En principio diré que para 1967 iban a seguir la continuidad y adaptar “Al servicio secreto de su majestad”, pero hubo problemas con las locaciones de las escenas de la persecución de sky y se decidieron pasar a esta.
El “what if” Bondiano definitivo es el siguiente: ¿Qué hubiera pasado si “OHMS” la hubiese protagonizado Connery? Nunca lo sabremos. 
El problema es que esta novela que nos ocupa es la continuación directa de la anterior que no había sido adaptada, así que lo que hicieron los productores fue pasarse por el forro “of the balls” el nudo literario de la venganza de Bond y mantener algunas cosas más que nada cosméticas, como la parte de los pescadores de ostras japoneses y el casamiento de Bond con la nativa pero adaptado a la nueva trama mucho más lineal e infantil que la novela.
Y si hablamos de tramas infantiles no hay que dejar de mencionar que el que firmó el guión es el Robert Dhall, más conocido como el Dr. Zeuss, que en Sudamérica no es muy conocido (salvo por sus adaptaciones) pero se hizo millonario con sus libros para chicos entre ellos: “Cómo el grinch se robó la navidad”; “Willie Wonka y la fábrica de chocolates”; etc. 
Y en la dirección tenemos el debut de Lewis Gillbert, un afamado director británico que venía de ganar un oscar con la famosa película Alfie, protagonizada por Michael Caine.
Gillbert va a dirigir varios films bondiolas más como veremos en el futuro. 
La película es famosa por varios motivos: el primero por ser la primera despedida de Connery de la serie, esta es la despedida oficial pero como su personaje Connery will return…
¿Por qué el escocés cabrón se despide de la gallina de los huevos de oro? En principio esta era la quinta película y tenía miedo de quedar eternamente encasillado como Bond pero en su momento también mencionó que estaba podrido de encontrar paparazzis hasta en el baño. En segundo lugar quería perseguir una carrera más diversificada, que al principio fue muuy trunca pero luego volveremos a eso. 
El segundo motivo por el cual es famosa la película es por la aparición en pantalla de Blofeld que había aparecido en todas las películas salvo Goldfinger, de espaldas o acariciando un gato de angora sin mostrarle la cara. 

La verdad desconozco si este recurso era para otra cosa que la de generar suspenso pero yo creo que era un plan b para el caso de que no tuvieran los derechos del personaje y de golpe se trataba del mismo Goldfinger o del propio M (para ponernos conspiradores).
El actor que lo encarna es Donald Pleasence un tipo de mucha trayectoria catódica con muchas apariciones en series como “La dimensión desconocida” y que también es famoso por ser el psiquiatra que se enfrenta a Michael Myers en las dos primeras de Hallooween de John Carpenter.
¿Por qué aparece tan poco? Si bien compone tal vez el villano más siniestro de la serie aparece en escena cerca de quince minutos, en mi opinión tiene que ver con que el actor original Jan Werichs fue rechazado por Gillbert una vez que comenzó la filmación. 
Para quién vea la película queda clarísimo que el Blofled de Pleasence es la base de cierto Dr que pupula la saga de Austin Powers. 
El tercer motivo por el cual es famosa la película es el autogiro “Little nellie” el mismo había sido desarrollado por el piloto Ken Walls que le dio el nombre de WA-116 y lo acondiciono para el film. Además de que es el quien lo pilotea en la película. 

Bien muy buena película Bond, con mucho ritmo e imaginación con Connery en todo su potencial a puro cinismo, con peleas espectaculares y violentas (vean como despacha un secuaz de SPECTRE utilizando un sillón) con gadjets imaginativos y realmente útiles y con un final impresionante donde se arma un tole tole entre las fuerzas del MI6 y el gobierno japonés contra SPECTRE que es de órdago. 
Lo único negativo es saber que si se mantenía el orden original la película adquiría todo un significado de venganza personal que sería canibalizado por otros films del 007 que más adelante veremos.
El dossier Bond volverá en … “BLOGPUSSY”!!!