Mundos vivirán, mundos morirán... (parte 2)

Crisis en Tierras infinitas.
Parte dos. 
Por Lucas. 
Bueno llegamos a la segunda parte de esta reseña/dossier acerca del croosover más importante de todos los tiempos. 
En la anterior vimos como Marv Wolfman había emigrado a DC luego de un período en el que se había fogueado escribiendo todos los títulos de Marvel, descollando en Tomb of Drácula (donde creo a Blade el cazavampiros lo que le valió una cruenta batalla legal con la editorial, hmmm digo yo como es el creador de Nova el que va a aparecer en la película de “Los Guardianes de la galaxia” ¿Se vendrá otro pleito?).
También había destacado en Spiderman y llegó a ser Editor en jefe de la editorial. 
En DC se encontró con Len Wein y juntos “encantaron” a George Pérez (que estaba freelance en Marvel) para que se pase de vereda y así lograron el hitazo “The new teen titans” en 1979. 
El tema es que a Wolfman se le metió una idea: relanzar todos los títulos de la editorial con un gran evento que serviría como un disparador para la renovación total de la línea editorial. 
Los primeros en subirse al carro fueron Len Wein y George Pérez y juntos convencieron a Dick Giordano que en ese momento tenía un puesto editorial muy alto. 
Cuando se lo plantearon a Jeannette Kahn la editora en jefe de DC, Wolfman cuenta que pensaba que le iba a pegar una patada en el upite pero que sucedió todo lo contrarío: lo animaron en el proyecto poniendo a su disposición toda la plantilla editorial y encima le dijeron que podía  matar muchos más personajes que la listita que le había presentado (en la que habían personaje que Wolfman creía “insacrificables”). 
Esto sucedió alrededor de 1982 y comenzó la planeación del proyecto que en un momento se iba a llamar “UNIVERSO DC: CRISIS EN TIERRAS INFINITAS”,  el título era una referencia a todas los team-ups anuales entre la JLA y la JSA que se sucedieron durante años que siempre llevaban de título “Crisis en tierra dos”; “Crisis en tierra Tres, X, etc.” 
El proyecto iba a estar editado por Wein y venía acompañado de otra revista que se llamó “WHOS WHO IN THE DC UNIVERSE” (Quién es Quién en el universo DC). 
La idea del “Whos Who” venía a cuento de que Crisis sirvió como una especie de inventario de TODOS ABSOLUTAMENTE TODOS los personajes que eran propiedad de DC hasta el momento además de servir de “manual” o handbook como le llaman los yankis a los autores y tratar de unificar a la editorial. 
Para esto DC contrató a un fan Peter Sanderson al que pusieron a leer TODO lo publicado por DC comics, a partir de su creación en 1935. El laburo de este pibe fue fundamental, ya que anotó e inventario todos los personajes e hizo prácticamente las notas para el “Quién es quien”, el laburo fue tan bueno que cuando terminó lo contrató Marvel como editor.
Otra de las directivas que se bajaron fue que en todas las colecciones debía desfilar “El monitor” un enigmático personaje que siempre aparecía en sombras o de espalda; habitaba en un satélite y equipaba de armas a los villanos, explicado luego en la propia historia que esto era una manera de “probar a los héroes”, aunque se nota que la idea de quien era el personaje fue mutando. 
Las primeras apariciones del Monitor se rastrean circa 1983, funcionando como un mcguffin a efectos de intrigar a los lectores sobre que caraxos estaba pasando. 
También hay que mencionar a Roy Thomas, el santo patrón de Tierra-2, que aportó mucha data y coordinación al proyecto de manera que casi lo co-editó.
Curiosamente los personajes de tierra-2 serían de los más perjudicados por el resultado final pero no nos adelantemos. 
La historia sale a la venta en 1985 para celebrar el 50º aniversario de la editorial y es un hitazo instantáneo, pero el honor de ser el primer croosover “moderno” por decirlo de alguna manera (para decirlo de otra forma el primer croosover publicado en una miniserie aparte) se lo arrebató Marvel que publicó un par de meses antes “Secrets War” con guiones del mandamás editorial Jim Shooter y dibujos de Micke Seck.  
“Las guerras secretas” si bien es una historia bien recordada y hoy considerada clásica, fue hecha entre gallos y medianoches cuando la salida de “Crisis” era inminente y realmente si uno considera el nivel de una u otra en todos los aspectos se nota una superioridad notable del lado de DC. 
La historia en sí consta de doce números, dos de ellos dobles y esta claramente dividida en tres partes: 
La primera en donde el Monitor reúne un puñado de héroes de tierra 1,2 y 4 para proteger la maquinaria que puede evitar que la oleada de antimateria desatada por el Antimonitor destruya el multiverso;  
1) La segunda parte se gatilla con la muerte del Monitor, la ascensión de Alexander Luthor, que toma la decisión de comunicarle la situación a TODOS los héroes de los universos sobrevivientes  y logra estabilizar el puñado de tierras que eventualmente van a terminar unificadas (Tierra 1,2,4, S y X) y se suceden las primeras batallas directas entre los héroes y el Antimonitor; con la muerte directa de Kara Zor-El , uno de los personajes más antiguos y populares de DC.
La muerte del personaje sigue teniendo relevancia porque DC mantuvo “desactivada” esta versión del personaje durante muchoooo tiempo, recién reintroduciéndola a principio de los 2000. La Superchica que dio vueltas (y tuvo varias colecciones durante todo ese tiempo fue Matrix y tiene una historia muy complicada, dejémoslo ahí). Puede parecer increíble que DC haya matado a un personaje que tuvo un film propio dos años antes, pero hay que recordar que el mismo fue un desastre monumental de taquilla. 
2) La tercera parte enfrenta a los héroes con los supervillanos de las tierras y se gatilla la muerte más importante de la historia de DC, el sacrificio final de Barry Allen para salvar a los universos que habían sobrevivido. Esta es tal vez la muerte más importante de la serie, y esta considerada la mejor muerte que haya tenido un superhéroe jamás elevando a Barry al puesto de “santo” del Universo DC. ¿Porqué DC decide matarlo? Porque su colección venía languideciendo hacía mucho de la mano de Cary Bates que lo metía de un culebrón en otro. Al final de la colección Barry se autoexiliaba en el siglo XXX donde se iba a vivir con Iris. En dicho siglo pasaría UN MES hasta que se suceden los eventos de Crisis. Esos 30 días fueron la excusa para “rescatar” a Barry varias veces sobretodo en la recomendable saga de Mark Waid “Chaing lighting” y le llenaría la cocina de humo a Iris. Los hijos de Barry serían los “Gemelos Tornado” que fueron miembros muy menores de la Legión, pero de la mujer del dúo nacería Bart Allen, mejor conocido como Impulso, nieto de Barry (lo que en su momento le dio una chapa impresionante) y nativo del siglo XXX. Por último cabe mencionar que Crisis es el debut como Flash de Wally West, que se calzo las botas amarillas durante casi 25 años de manera interrumpida, siendo un personaje mucho más interesante que Barry (que alcanzó un aire mítico luego de su muerte). La idea fue de Wolfman que venía manejando al personaje en los Titanes, pero George Pérez no estaba de acuerdo porque consideraba que el cambio “mataba” también a Kid Flash, lo que le parecía una lástima ya que le encantaba el diseño del traje. Wolfman sigue insistiendo con que tenía pensando “resucitar” a Barry, lo que confesó en una introducción que hizo para un recopilatorio de la historia. Su idea era rescatar a un Barry anterior al de Crisis nº 8  que quedaba varado en el presente, a sabiendas de que finalmente tendría que sacrificar su vida para salvar al universo.
Esta idea se usó de alguna que otra manera (en la historia de Mark Waid que mencioné) pero curiosamente Marvel la usaría con ese intento de resucitar al Capitán Mar-Vell, aunque luego se reveló que era un skrull.
Volviendo a la historia en sí al final se arma el tole tole entre todos los héroes, más los villanos que se les unen contra el Antimonitor.  
La estocada final tiene el honor de darla el Superman de Tierra 2 que es la “representación” del Superman original, así que de alguna manera metatextual es el Superman orginal o primigenio el que salva a todos sus descendientes de la destrucción.
El final con Alex Luthor salvando a Lois; a Kal –L y a Superboy de Tierra Prima, significa el “archivo” de esa versión de Superman y sobretodo de Superboy que sería borrado en breve de la continuidad.  
Los personajes no aparecerían por treinta años, siendo ese un final perfecto, emotivo y muy metacontextualizado ya que se puede interpretar que “salieron o se apartaron” del Universo ficcional de DC,  pero Dan Didio y Geoff Johns (pongan la marcha imperial por favor) los traerían en “Infinite Crisis” (2005) que intentaba homenajear la historia original. 
Ejem, que Superboy se convierta en un psicokiller y mate al Superman original en un charco de sangre es un homenaje muy discutible me parece. 
Ah me olvidaba la Lois Lane original se muere de vieja. 
Con respecto a esta última batalla (la del Superman de Tierra 2 vs El Antimonitor en el universo de antimateria) diré que hace un tiempito leí el nº 51 de los Cuatro Fantásticos (CLARO CHICOS EL QUE LE SIGUE A LA TRILOGÍA DE GALACTUS!!!) y lo encontré sospechosamente similar al clímax de la batalla entre Kal-L y el Antimonitor con el primero “salvando” al Superman de Tierra 1 de forma muuuy parecida a como lo hacía el falso Ben Grimm con Reed Richards, hmmm, habría que llamar a Sherlock Holmes me parece. 
Bien finalmente salieron dos epílogos a la historia, el primero esta considerado el nº 13 el especial “Los últimos días de la Sociedad de la Justicia de América” tenemos a los héroes de Tierra 2 enterrando a sus muertos (Superman, Lois, Robin, Huntress y la Mujer Maravilla que ascendió al Olimpo) y recordando la batalla con el Antimonitor, finalmente los héroes de la JSA marchaban al limbo, en una manera de “archivarlos” que duró durante varios años. El otro epílogo más oficial son los prestigios “HISTORY OF THE DC UNIVERSE” en donde Harbinger pasaba revista a la cronología de este nuevo universo unificado. 
Harbinger era colocada en un papel de biógrafa del Universo DC, algo parecida al Wachter de Marvel. La historia cuenta con unos dibujazos impresionantes de George Pérez y todavía sirve pese a los cambios de continuidad para hacernos una idea de lo rico e interesante que es el Universo DC unificado que surgió después de Crisis (extra data: esta “enciclopedia” de Harbinger sería robada por los Manhunters y gatillaría Millenium). 
De las secuelas de Crisis podemos hablar en otro momento pero voy a mencionar “La segunda Crisis en Tierras Infinitas” que monto Grant Morrison en Animal Man, cuando la primera estaba fresquita y todavía no estaba claro el límite sobre que recordaban los héroes y que no. En dicha historia reaparece el Psico-Pirata, uno de los personajes que oficialmente recordaban el Multiverso anterior y rompiendo la cuarta pared se horrificaba frente a la idea de que reapareciera el “Hombre Lobo” (En inglés Wolf-Man, más clarito…). 
Nos vemos!!!!

Vengadores 1.5

Captain America:
The winter Soldier (2014)
Dirigida por Anthony & Joe Russo
Reseña por Leox
Como no podía faltar en Maldito Cerrado, hoy les traigo la reseña de uno de los estrenos mas esperados del año, nada mas ni nada menos, estamos hablando del Capitan America: The Winter Soldier.
La segunda entrega a la pantalla grande, del Super Capitan que tiene Marvel comics en su haber.
Esta pelicula esta escrita por gente que viene del comic como Ed Brubaker y Stephen McFeely quien había trabajado en la primera del Capi y la segunda de Thor. La direccion esta a cargo de dos hermanos, Joe y Anthony Russo, quienes parecen no tener muchos trabajos en su curriculum lo cual resulta curioso.
Cuenta con las actuaciones del equipo Avengers quienes ya nos tienen acostumbrados a ver Chris Evans, Scarlett Johansson y Samuel L. Jackson, en sus respectivos papeles, ademas de Sebastian Stan encarnado en el Soldado del Invierno, Anthony Mackie como Falcon y el debut de Robert Redford en el universo cinematografico Marvel, quien quiso hacer un personaje en esta pelicula porque sus nietos son fans de la saga de Marvel y quería que lo vieran en una de sus peliculas.
Sinopsis (Spoilers off):
Dos años despues de los acontecimientos Avengers, Steve Roger es reclutado para una operacion de rescate en un buque de S.H.I.E.L.D. acompañado por Black Widow.
Dicha operacion le da que sospechar acerca del accionar de el mismo S.h.i.e.l.d, lo cual interpelando a Nick Fury, logra que este le revele un secreto. Pronto el Capitan America se dará cuenta que está metido en una trama de secretos que lo obligará a correr por su vida.
Quienes hayan visto la primera, notaran que en este nuevo film de el Capitan America se puede ver como el torbellino Avengers estuvo entre medio de las dos. En esta segunda entrega tenemos acción, intriga, espionaje, poco parloteo melancolico y los infaltables dialogos humoristicos para mantener el buen clima. Al parecer, Scarlett Johansson y Chris Evans escribieron ellos mismos la mayoria de los dialogos en las escenas que estan juntos.
La trama de la pelicula es muy buena, genera cierta intriga y tiene algunas sorpresas en el medio, lo bueno es que no es una historia basada en flashbacks, mantiene el ritmo y la acción constantemente.
Ademas de las novedades en el traje del Capi que dan señales de el traje del

"Super soldado" de los comics y en un momento se escucha el nombre de Dr Strange.
Tampoco puede faltar el cameo del Gran Stan Lee que (salvo el de Spiderman3) todos son geniales.
El equipo que hacen Black Widow, Falcon y el Capitan es efectivo, trabajan muy bien los tres haciendo su parte, el Capitan hace uso de la chapa que tiene en los momentos que debe y Black Widow esta sensual como siempre, aunque le resta 0,5 puntos el nuevo peinado que en comparacion con el de Avengers me quedo con el anterior. Nick Fury tiene mucha mas participacion que anteriormente y tambien hace uso de chapa, demostrando ser un hueso duro de roer. The Winter Soldier resulta un digno rival para el Capi.
Las escenas de acción son muy buenas ademas de los efectos, las peleas se ven bien reales.
Segun pude averiguar, el director trató de que las escenas de acción sean con la menor cantidad de efectos visuales posible logrando captar mas la acción en vivo.
Pero lo mejor de todo es que podemos ver a un Capitan America haciendo cosas increibles y repartiendo patadas como debe ser, siendo esta ademas, la primer pelicula de el en la que está como protagonista en la actualidad y a pura accion.
Gracias a The Ultimates, el comic escrito por Mark Millar y dibujado por Brian Hitch, a ese Capitan America que tanto nos atrapó en papel, hoy podemos verlo en la pantalla grande, de hecho en los primeros 5 minutos hay una escena homenaje a Ultimates.
Quienes tenemos la suerte de ser testigos de la saga Avengers desde Ironman hasta hoy, podemos apreciar como la regularidad que viene teniendo Marvel cuidando de mantener los mismos actores (salvo el caso de Hulk el cual me atrevo a decir que es mejor el de Avengers ) hace que el ambiente nos sea mas familiar y mantiene la misma linea que las demas peliculas de la saga.
Segun dijo el actor que interpretaba a Falcon dijo que esta pelicula tranquilamente podría llamarse Avengers 1.5 ya que se puede ver esta como una continuacion, de hecho en esta pelicula usaron escenas eliminadas de Avengers relativas al despertar del Capi y su puesta al día.
En mi opinión es una excelente pelicula de acción. Del genero de Super heroes de las mejores que vimos en los ultimos tiempos, simple sencilla, sin tanta melancolía y con una trama atrapante.Muy recomendable para disfrutar en cine.
Hasta la proxima! 
 

La invencion de Jorge Lucas

STAR WARS: EPISODIO IV (P/1) 
“A NEW HOPE” (1977) 
( “Una nueva esperanza”, que titulo aburrido para tan buena peli). 
Dirigida por George Lucas.
Dossier por Lucas (pero no George, claro).
Capítulo I:  
Un nerd estudiante de cine y producción se mete   
En el mundo de Hollywood, consigue dirigir  
Dos films de dispar éxito hasta que se convierte...
En el Fucking amo del universo…. 
Saltamos de la mano de J.J.Abrams de un universo galáctico a otro. Pero para hablar de Star Wars, tengo que habla de George Lucas.
Jorgito es miembro de la generación más importante que tuvo el cien yanki, la que se conoce como “la generación del 70” en ella aparecen nombres como: Steven Spielberg; John Millus; Francis Ford Copolla; Brian de Palma; Martin Scorcese. 
El chiste es que todos son amigotes (incluso hay una gran interrelación en sus obras) en algún momento u otro trabajaron juntos y TODOS terminaron rindiendo homenajes a los géneros y autores con los que crecieron o babearon cuando fueron a la escuela de cine.
Spielberg se cansó de admirar a Frank Capra o Billy Wilder (entre muchos otros); Brian de Palma a Hitchcock y Scorcese a una enorme variedad de directores italianos (como Mario Monicelli o Sergio Leone) y asiaticos (Akira Kurosawa) pero Jorgito era un nerd que se babeaba con los seriales de todo tipo y color que veía en su niñez (Star Wars no es más que la versión remasterizada de Flash Gordon y ni hablar de Indiana Jones) pero también con los films de samurais que le partieron el bocho (otra vez aparece en escena
Kurosawa, pero ya hablaremos de él más detalladamente). 
Si habría que comparar la utilzación (y beneficio) que saco Jorgito de su enfebrecida mente nerd sería claramente Quentin Tarantino que hizo una carrera brillante usando a diestra y siniestra (y muchas veces mezclando para generar productos irreconocibles) cientos de referencias una más oscura que la otra. 
Pero Jorgito no nació por generación espontánea, es decir, no apareció de la nada y se convirtió en el nerd más poderoso de Hollywood (por lo menos durante mucho tiempo) sino que su olfato como productor lo puso casi de manera impensada en el camino de una veta de oro que sigue dando frutos al día de hoy. 
Pero empecemos por el casillero de salida: 
Jorgito era un estudiante de cine cuando gana una beca por su corto de ciencia ficción THX 1138 (¿les suena? volveremos a él mas adelante), la beca era otorgada por la Warner Bros  para participar en la producción de un film que resulto un musical de Francis Ford Copolla. 
Los dos hacen tan buenas migas que Copolla le co-produce (junto con la Warner) su primer film en 1971, basado en su corto THX 1138, dicho film esta protagonizado por Robert Duvall  y lo pasaba cada dos por tres TNT. 
Acá nos encontramos con una historia que esta a mitad de camino entre Fahrenheit 451 y 1984 con toques de 2001 odisea en el espacio, no hay mucho de Flash Gordon o samurais espaciales por acá, pero no nos apresuremos. 
El film fue un tremendo flop de taquilla, al punto que dejó casi en bancarrota a Copolla y cuenta la leyenda que de dicho fracaso George se propuso lograr un film que logre “atraer a las masas”, también hay que añadir el pequeño detalle de que Copolla tuvo que aceptar una pequeña película por encargo de la Paramount sobre mafiosos, pero no divaguemos… 
El siguente film de Jorgito fue “American Graffiti” que también pasaba cada dos por tres el canal TNT que es de 1974 (ya nos vamos acercando) este film es importante porque termina siendo un hit de taquilla y además es nominado al oscar como mejor película, lo que le da a Lucas un gran poder que sabría utilizar a posteriori.
A continuación comienza la génesis de “Star Wars” que es muy tortuosa y larga. 
Lucas elimina la idea de hacer ciencia ficción transcendental y comienza la pre-producción de una película basada en  Flash Gordon (1934) el héroe espacial por excelencia (aunque nace como respuesta de Buck Rogers y a su vez Alex Raymond la comenzó como una tira de John Carter de Marte y posteriormente la tuvo que rehacer). 
Más allá del parecido obvio hay que decir que Lucas se inspiró mucho en el serial de Universal, sobretodo en “la cartilla” que antecedía a cada episodio y ponía a los espectadores en situación haciendo una breve sinopsis de los espectadores. 
Estas “cartillas” fueron homenajeadas en SW, donde Lucas las reutilizo de identica manera que en el serial de Flash Gordon. 
El primer problema comenzó cuando Jorgito descubre que los derechos de Flash Gordon los tenía Dino De Laurentis (¿Se acuerdan de la película con la banda sonora de Queen que Telefé pasaba sábado de por medio?) así que decide que si bien va a “homenajear” (clarooo ho-me-na-je-ar) al serial de Buster Crabble el film sería una space opera con personajes totalmente nuevos. 
Comienza la reescritura del guión basada en la película “La fortaleza secreta” (1958) de Akira Kurosawa, uno de los directos favoritos de George. 
Este film protagonizado por el inmortal Toshiro Mifune cuenta la historia de dos sirvientes que deben realizar un laargo derrotero para llevarle un mensaje de socorro a un guerrero samurai con el objetivo de rescatar a una princesa la cual tienen encerrado en una inexpugnable fortaleza (les suena???). 
La base de la historia es la misma, incluso el hecho de que el grueso de la misma este contada desde el punto de vista de los droides que reemplazaron a los sirvientes. 
El grado de similitud fue tal que Jorgito temío que le hicieran alguna  querella por plagio (todavía no era el emperador de la galaxia) y se planteo comprar los derechos del film nipón para presentar SW como la “remake en clave sci-fi”, pero esto no ocurrió. 
En compensación en 1980, Lucas le produciría la película Kagemusha. 
Bien entonces Jorgito tenía claro que la obra sería una “space opera” en toda la magnitud del género, estaría basada en la película “La fortaleza secreta”, así que se trataría de un grupo de héroes yendo a rescatar a una princesa pero todavía nos falta definir bien el concepto. 
La inspiración (las fuentes han sido reconocidas y otras no tanto) le vendría a Jorgito de varios lados: 
Los Jedis, son básicamente samurais espaciales, algo que no es muy descabellado si tenemos en cuenta que SW:IV es una adaptación de un film de samurais. 
El concepto de un cuerpo intergaláctico de guerreros bienintencionado proviene directamente de los Green Lantern Corps de DC (1956) que a su vez estaban choreados de los “Lensman” (1937) de Doc.E. E. Smith. 
La mezcolanza se completa si descubrimos que el nombre japonés para el género que en occidente podemos reconocer como “películas de samurais” es Jidaigeki. 
Mas claro hay que echarle agua me parece. 
Respecto del set-up de la película, esa galaxia sucia, vieja y llena de polvo que contrasta con la tecnología futurista que se utiliza podría estar basado en la serie de cómics Valerian que se publica desde 1967 por los autores Pierre Christin (guión) y  Jean-Claude Mézières (dibujo). 
Quien haya leído este comic (sobretodo los primeros albúmnes) encontrada muchas similitudes pero principalmente podemos mencionar tres: 
1) El “Halcón Milenario” la nave del mercenario Han Solo esta basada directamente en la nave de Valerian, el XB982.   
2) Toda la secuencia de la cantina espacial esta sacada directamente de los cómics de Valerian, donde era muy común que los personajes se metieran en esta clase de lugares; incluso hay muchas secuencias desperdigadas a lo largo y ancho de la trilogía original que están sacadas directamente de Valerian; como la prisión en carborita de Han Solo al final de SW:V y la escena final entre Luke y Anakin Skywalder en SW:VI.
Hablando de Darth Vader, el diseñador es Ralph McQuarrie y tomó muchas referencias como por ej:
1) Dr. Doom, creado en 1961 por Stan Lee y Jack Kirby, tal vez la fuente de inspiración más famosa para el personaje, al punto que Vader es Victor Von Doom pintado de negro pero hay más; También podríamos citar a Darkseid, pero no esta tan claro; 
2) The Lightning, el villano del serial “The Fighting Devil Dogs” que data del año 1938. 
Por último hay que mencionar otra obra que impactó en la mente de Jorgito:
“El señor de los anillos” (1937), muchos elementos de la trilogía de J.R.R.Tolkien aparecen en el universo SW, como por ej. El concepto del “lado oscuro” y una unión entre gente de diversa índole (guerreros; pastores; magos; reyes; etc.) para combatir una amenaza sobre toda la existencia, pero hoy por hoy “la trilogía del anillo” es casi tan conocida como SW así que lo dejo a su criterio, como decía la filosofa. 
Ok, ya tenemos guión ahora falta venderlo y empezar a filmar pero eso será parte de la segunda parte de esta crónica….
Que la fuerza los acompañe!!!!!

La invencion de Jorge Lucas (parte 2)

STAR WARS: EPISODIO IV (P/2) 
“A NEW HOPE” (1977) 
Dirigida por George Lucas. 
Dossier por Lucas (pero no George, claro).
Okay entonces quien haya leído la primera parte de esta serie sabrá que George Lucas empezó siendo un estudiante de cine que luego de graduarse comenzó a dar clases  de cine en la fuerza aerea (atenti al dato) posteriormente gana una beca con el corto “THX 1138” y entra a trabajar en una producción de la Warner que iba a dirigir Francis Ford Copolla, a partir de ahí empieza a escalar posiciones, pegándose palos (con el largometraje basado en el corto homónimo “THX 1138”) y anotándose puntos con la nominación al oscar de “American Graphiti”.
Es con esta película que nace la productora “LucasFilm” en 1971 y el susodicho  comienza a pergeñar un proyecto personalísimo, basado en el gusto que tenía por los seriales de ciencia ficción de los años 30 de los cuales el Flash Gordon de Buster Crabble era el abanderado pero utilizando el guión de “La fortaleza secreta” de Akira Kurosawa. 
Una vez terminado el guión comenzó el proceso de venderlo y ahí comienza otro capítulo:
Por extraño que parezca con el diario del lunes, a Lucas le costó vender el proyecto de Star Wars, el problema era que a comienzos de los 70 la ciencia ficción en cine como vehículo de entretenimiento estaba muerta y los únicos films de ciencia ficción que se estrenaban era lo que podemos denominar “ciencia ficción trascendental” como la máxima exponente del género “2001:
Una odisea en el espacio” (1968) de Stanley Kubrick o vehículos como  la saga del “Planeta de los simios” (1968)   Franklin J. Schaffner, que si bien empieza como ciencia ficción alegórica degenera en una saga de films muy dispares. 
Lo que Jorgito ambicionaba era un producto multimedia que sirviera para vender mucho merchandising, al estilo de los dibujitos y las series de tv que le volaba la cabeza a los pibes pero mucho más allá.
Vuelvo a repetir visto al día de hoy puede sonar ridículo, pero en su momento el proyecto era arriesgado porque no existía el modelo de blockbuster que Lucas quería imponer. 
Lo más parecido podía ser la serie de películas de James Bond que era producida casi en exclusiva en Gran Bretaña.
OK, el merchandising existió desde el comienzo del mundo, pero lo que diferencio a Star Wars de todo el resto es el cuidado extremo que se puso en la venta de los productos derivados, ya sean las figuras de acción, las naves a escala o los insipientes y rudimentarios video juegos, los cuales fueron supevisados por la mismísima LucasFilms.
Esta bien, no nos engañemos el “Star Wars Hollyday Special”, existió pero para eso falta, todavía estamos en 1974.
Jorgito intentó vender el guión a la Universal y a United Artist y si bien interesaba se asustaron por los costos de un proyecto de esa envergadura. Finalmente se lo vendió a la Twentieh century Fox (estamos viendo foooox diría cierta familia amarilla).
En ese contrato quedo específicado que si bien la Fox se llevaría casi todo el dinero de la recaudación, George Lucas se quedaba casi exclusivamente con los derechos del merchandising. 
SI LEYERON BIEN LA FOX LE DIO TODOS LOS DERECHOS SOBRE EL MERCHANDISING A GEORGE LUCAS (mejor dicho a LUCASFILM).
Entonces habiendo conseguido “LucasFilm” la coproducción de la poderosa Fox y con el guión terminado comienza la fase de pre-producción, más precisamente el casting: 
Lo más curioso del casting es que fue conjunto con el de la película “Carrie” de Brian de Palma así que Carrie Fisher y Sissy Spacek audionaron para los dos papeles protagónicos, siendo Fisher (obviamente) quién se llevó el pato al agua con el papel de la Princesa Leia;
Mark Hamill tuvo su debut con esta película y también audiciono para los dos films; 
El papel de Han Solo fue uno de los más solicitados para el cual audicionaron los siguientes actores: Silvestre Stallone; Kurt Russell; Christopher Walken y Billy Dee Williams.
Harrison Ford había debutado en “American Graphitti” y Lucas no lo quería usar porque la idea era que el terceto protagonista sean actores noveles, desconocidos. El tema fue que Ford trabajó “coucheando” a los actores novatos en las sesiones de lectura de libretos haciendo del papel de Han Solo cuando le tocaba y finalmente terminó convenciendo al propio Lucas de que era el indicado. 
Ahora bien, uds se preguntarán: ¿Cómo convenció a la Fox  Jorgito para que pusiera plata si encima la película iba a estar protagonizada por actores novatos? La respuesta:
Contratando a dos leyendas con todas las letras como Peter Cushing y Alec Guinnes 
Cushing era  el Van Helsing que volvía loco al pobre Drácula de Chistopher Lee en las producciones británicas de la Hammer … hmm un momento acaso Chistopher Lee no hizo de otro Conde?? (Hmmm).
Su papel terminó siendo el del principal enemigo de nuestros héroes (en los papeles Grand Moff Talking es el comandante de la Estrella de la Muerte y “tec-ni-ca-men-te” estaba por arriba de Darth Vader algo que se intuye en la película).
Obviamente la imponente presencia en pantalla del mayor villano multimedia que haya dado el cine lo opaco.
La otra leyenda que contrató Jorgito fue nada más y nada menos que a Alec Guinnes, considerado como el mejor actor de su generación, así que tenía un nombre de lustre y mucho respeto para poner en la marquesina. 
A Guinnes le tocó el papel del mentor del joven Luke, cosa que hizo de taquito y le reporto una inmortalidad que no creo que se imaginara cuando hizo la película.
En más de una ocasión el actor inglés expresó su disgustó de que se lo
reconociera por Star Wars cuando había hecho cosas como “El puente sobre el río Kwait” pero la verdad es que SW los  pasó por encima a todos como una topadora (menos al jerarca del universo que calculó todo con precisión suiza). En cuanto al otro antagonista de la película, ese tal Darth Vader, por ahí lo conocen, el papel cayo en el doble de acción David Prowse, que le otorgaba al traje y casco negro unos dos metros de altura.
El plan original era que la voz de Vader sea la de Orson Welles, pero finalmente Lucas terminó contratando a James Earl Jones que se hizo millonario con solo poner la gola.
Con el guión y el casting comenzó el rodaje de la película y ahí Lucas se dio cuenta que el departamento de efectos especiales de la Fox estaba desarmado así que decide hacerse cargo de los efectos especiales el mismo, tomando una decisión que repercutiría en el futuro de la industria ya que el resultado fue la fundación de “Industrial Light & magic” que durante décadas tuvo el monopolio de los efectos especiales en Hollywood, estirando sus garras en cine, TV, video juegos y muchoooo más. 
Sin ir más lejos Pixar nace en el seno de IL&M y para los giles que aún hoy hablan de rivalidad entre Star Trek y Star Wars hay que mencionar que desde la segunda película Trek, la empresa de Jorgito se hizo cargo de los efectos especiales (salvo de la quinta) y de los FX de TODAS LAS SERIES DE TV posteriores. 
La idea de George Lucas era que las escenas de acción de SW tengan un estilo documental, siendo su base los documentales de batallas aéreas de la Segunda Guerra Mundial, donde los mismos camarógrafos ponían en juego sus vidas. 
La base que tenía Lucas para las escenas de combate espacial eran las películas: (click en el texto)
1) The Dam Busters (1955) MichaelAnderson: 
El clímax final con la alianza Rebelde bombardeando la Estrella de la Muerte esta tomado de esta  película en donde los bombarderos de los aliados tenían que derribar una presa construida por los nazis.
De la segunda película, se tomo la idea del avión tirando la bomba en una posición muy muy precisa, parecido a como Luke Skywalker termina destruyendo la Estrella de la Muerte.  Incluso la construcción de toda la escena climática esta tomada de este film, incluyendo varios diálogos.
Un par de meses antes de que la post-producción estuviera terminada Lucas exhibió el film frente a una selecta concurrencia entre los que estaban: Steven Spielberg; Martín Escorsece; Brian De Palma; Francis Ford Coppolla; toda la cúpula de la Fox y para la muchachada comiqueril también estaban Roy Thomas y Howard Chaykin que se iban a ocupar de la adaptación de la película para la Marvel (incluso Chaykin es quién realizó el primer poster de la película). 
La anécdota la incluyo porque Lucas incluyo escenas intercaladas de estas dos películas para demostrar cual era su idea del clímax final de la Alianza rebelde vs la Estrella de la muerte.
Por último hay que mencionar que la última película de George Lucas como productor y guionista fue “Red Tails (2012)”, película que homenajea a las otras dos y que para Lucas era lo más cercano a una nueva Star Wars que ibamos a tener, ejem…bueno hasta que apareció la casa de Mickey Mouse.
El último aspecto técnico en la conformación del mito tiene que ver con la banda sonora.
La idea de Lucas era crear leitmotivs para todos los personajes, pero pensaba seriamente utilizar versiones de piezas de opera y música clásica en la película (tal vez para hacer la space opera definitiva?) pero se cruzó en su camino Steven Spielbergo err Spielberg, (lo conocen?) y le presento a John Williams que había colaborado con Steven en “Tiburón” y había ganado un oscar, moco de pavo de credencial, pero también se encontraban en postproducción de “Encuentros cercanos del tercer tipo”.
Williams es quién convenció a Lucas de que hiciera todo una pista de música nueva y realmente hizo magia. ¿Alguna vez tararearon la musiquita de superman? Williams lo hizo; ¿Alguna vez tararearon la musiquita de tiburón, indiana jones, harry potter? Williams lo hizo y por supuesto si hoy tarareamos la marcha imperial es por culpa de Williams. 
Finalmente la película fue estrenada el 25 de mayo de 1977 y el resto es historia, impactó como una bomba nuclear, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia hasta ese momento y resonando hasta nuestros días que se va a estrenar Episodio VII. 
En cuanto a premios estuvo nominada en los oscar a: mejor película (perdió con Annie Hall); mejor guión; mejor banda sonora (lo que le dio a Williams su tercer oscar); mejor actor de reparto para Alec Guinnes; mejor director; y ganó (además de mejor banda sonora) mejor vestuario; mejor montaje; mejor edición y por supollo mejores efectos especiales.
Esto provocó que se pusiera en marcha la secuela que finalmente vería la luz en 1980, lo que además provocó que esta película que nos ocupa fuera renombrada como “Star Wars: Episodio IV: Una nueva esperanza” (lo que en retrospectiva sería el primer cambio de muchos que le haría a la película George Lucas) pero eso es otra historia...

La ultima aventura de Lucas Picard

STAR TREK: EPILOGO.
Por Lucas.
Bien a modo de epilogo de mi larguísimo (y agotador) dossier sobre las películas de Star  Trek, vale la pena poner la lupa respecto de los numerosos fan-films que han aparecido en las últimos años. Tendencia que se ha visto acrecentada por la hibernación que sufrio la serie luego de que la Paramount decidió cancelar “Enterprise” y resetear toda la franquicia.
Lo que sorprende es que la mayoría de estos productos tiene un respeto y una garra de la que carece la última película “ST:XII”.
Vamos a dar un repaso por dos “fan-producciones”  con las que me topé en Internet y que tienen un cariño y respeto que merecen estar entre las cajitas de los DVD oficiales: 
“Star Trek: Of Gods and Men” (2008)  
Para los no bilingues “Viaje a las estreallas: Sobre dioses y hombres”. 
Dirigida por Tim Russ. 
En primer lugar hay que empezar por esta miniserie de tres episodios que hoy se puede ver como un film integro de casi una hora y media ya que si bien tecnicametne es fan-production en realidad es una producción independiente porque TODOS los involucrados son profesionales, desde los actores a los guionistas Jack Trevino y Ethan H. Calk que trabajaron para “Deep Space Nine”. Además del director Tim Russ que luego de hacer un par de bolos en “TNG” le dieron las orejas del vulcano Tuvok en la serie “Vojager” durante siete temporadas (y una aparición como el Tuvok del “Universo Espejo” en DS9).
La excusa fue celebrar el 40º aniversario de la serie en un momento en que no había ningún producto al aire y todavía estaba lejos la película de J.J.
La historia tiene un setupeo interesante ya que cronológicamente transcurre en el período entre el último film de “TOS” y el primer capítulo de “TNG”.
Las series y películas salvo honrosas excepciones no han explicado que pasó durante este período salvo, como ya dije, excepciones como el episodio “El Enterprise del ayer” donde conocemos al USS ENTERPRISE-C y el prólogo de “ST:VII” donde asistimos a la inauguración del USS ENTERPRISE-B.
También hay que decir que estas ochenta décadas que separan a las distintas generaciones del Enterprise fueron altamente cubiertas por el universo expandido, ahí están las numerosas correrías que ha tenido el Capitán Hikaru Sulu con el USS EXCELSIOR en novelas, cómics y video games.
Este film tiene el ingrediente que esta protagonizado en toda regla por dos personajes de “TOS”, nos reencontramos con el comandante Pavel Chekov (y su peluquín) y la jefa de comunicaciones Nyota Uhura (¿y su peluquín?) interpretados por los actores originales sumados a una legión de actores de las series y filmes en algunos casos reprisando sus roles como Alan Turk (capitán John Harriman del USS Enterprise-B); Tim Russ volviendo a ser el vulcano Tuvok (y ademas es el director del film) pero ademas estan los actores que interpretaron a Harry Kim y Neelix de Voyager pero en papeles distintos entre otros.
La película esta situada poco despúes de la muerte “oficial” de James T. Kirk, con Uhura retirada y con Chevok siendo miembro de la cupula de seguridad de la Federación y esperando un inminente ascenso hacia el almirantazgo (espera que al pobre se le esta haciendo eterna).
También es de hacer notar la conexión con episodios de la serie como el mísmisimo piloto (en realidad al que le dieron luz verde) “Where no man goes before” y “The city on the edge of forever” tal vez mi episodio preferido de la serie original.
Otras cosas para indicar:
-La producción tuvo mucha ayuda de la fan-series “New Voyages” que prestó sus hermosos sets y maquetas para la película, además de que algunos actores de dicha serie también cantan presente;
-En un principio iba a co-protagonizar Sulu, lo que hubiera esta muy bueno para juntarlo por última vez con sus colegas, pero George Takei no pudo por problemas de agenda, así que el papel fue reescrito para John Harriman el capitán el Enterprise-B. Es de hacer notar que se pone incapie en que Harriman se siente mal por haber tenido la puta mala suerte de haber perdido al querido gordo (hablo de Kirk) en su viaje inaugural pero Turk lo compone mucho más aplomado y cómodo con su papel de capitán del USS Enterprise de esa era.
-La película presenta al USS ENTERPRISE-1701-M, que es una réplica de las dos naves de Kirk y funcionan como buque-museo, al mando esta el comandante Kirk, sobrino del gordo y esta encarnado por el actor que interpreta al joven James Tiberius en la serie “New voyages/Phase II”.
-Curiosamente la historia presenta similitudes con el film oficial del año 2009, pro ejemplo se produce un viaje en el tiempo que cambia la historia, generando una linea temporal paralela, pero además nos encontramos con que en esa continuidad Uhura esta casada con un vulcano. Si les suena pero les parece una coincidencia dejenme decirles que en este film también destruyen Vulcano.
-Actualmente la misma productora esta encarando una nueva fan-series “Star Trek: Renegades” en el trailer se puede ver a un anciano almirante Pavel Chevok (e increiblemente PELADO) dandole ordénes a Tuvok de que ensamble una nueva Tripulación. Supuestamente esta ambientada en el silgo XXIV.
Tal vez el mejor fan-film de Star Trek que se haya hecho, sobretodo porque tenemos a personajes famosos interpretados por sus respectivos actores (Uhura; Chevok; Tuvok y hasta Harriman) y también porque se mete en una epoca que no ha sido muy desarrollada por el canon oficial. Linda película para ver despúes del prólogo de “ST:VII”. 
“Star Trek: New Voyages” y “Star Trek: Phase II”.
Bien si el anterior es el mejor fan-fim esta es la mejor fan-series que haya dado la franquicia. “New Voyages” es de una gran calidad en cuanto a los decorados, las maquetas de las naves ... lástima que el nivel de las actuaciones sea realmente penoso pero es lo que hay ya que estos son actores novatos o directamente amateures.
Los episodios empezaron a ser producidos en el año 2003 y siguen hasta la actualidad, no son muchos ya que cada uno les cuesta un huevo y la Paramount los “sponsorea” permitiendoles usar la marca pero le tienen que reconocer la propiedad intelectual.
La gracia de esta serie es que continua directamente a “TOS” intentando completar el quinto año de la misión, que tanto enloquece a los escritores de fan-ficción trek.
(Pregunta: ¿Considerarán que el cuarto año de misión fue la serie animada?, pero basta de divagar...).
Asi que cronológicamente esta situada entre el final de “TOS” y “The motion picture”.
Otro detalle importante es que la serie esta apoyada por mucha gente que esta relacionada con la marca:
Desde el hijo de Gene Roddenberry que funciona como “gurú creativo” hasta guionistas como D.C. Fontana que trabajaron a fondo en “TOS” y “The animated series” pero también con mucha participacion de los actores originales como Walter Koening (a esta altura abonado a la fan-fiction) y George Takei (en este caso aparece como Capitán del USS Excelsior recordando sus tiempos de timonel, capítulo donde aparece su hija Demora que en el universo expandido termina sucediento a Harriman como capitán de la USS Enterprise-B).
La serie tiene la particularidad que algunos episodios son apócrifos (o fuera de continudad) como el de Koening pero también a partir del gran reconocimiento que tuvo (llegó a competir con las series del Dr. Who y Battlestar Galactica en los premios Hugo) se reconvirtió en “Star Trek: Phase II” con la idea de adaptar los guiones que ya estaban preparados para el “revamp” de la serie que se iba a dar en 1976 y que fue reconvertido en “ST:I” en 1978.
Demás esta decir que los episodios se pueden descargar gratuitamente y son altamente recomendables.
Bien terminamos, este epílogo es una especie de cátarsis para sacar a Star Trek de mi sistema bloguero y poder empezar con cierta saga galáctica que transcurre en una galaxia muy muy lejana, pero eso es otra historia...

Mientras tanto en Eternia...

“¡Por el poder de gréiscol!” 
Por Marti “Amo del Universo” Ramundo 
Eramos niños y la fonética inglesa no era lo nuestro.
A su vez, éste era el grito mas expresado en los recreos de los colegios primarios allá por los años 80.
Para los que transcurrimos la infancia en esos años, no podemos dejar de recordar los famosos muñecos Master of the Universe (Amos del Universo), más adelante llamados por los coleccionistas simplemente como MOTU. 
Y sí, arrancaremos hablando por los juguetes primero, y no por la serie de animación, ya que en este caso, se dio a la inversa que los demás programas o juguetes para niños.
Transcurría el año 1982 y la empresa de juguetes Mattel, tras unos infructuosos intentos por replicar el éxito de ventas de la franquicia creada por su santidad, George Lucas, saca en producción para la venta una línea de muñecos titulada “He-Man y los Amos del Universo”. 
Roger Sweet su diseñador, había dado en la tecla, crear un personaje con un nombre genérico, apoyado de gran marketing. Durante aquella década, Mattel había obtenido la licencia para crear una serie de muñecos basados en la película “Connan El Bárbaro (1982)”.  Sweet se encargó de desmitificar los rumores sobre un posible plagio, ya que sus prototipos y diseños fueron hechos en 1980, dos años antes del estreno de la película. Lo que sí admitió, fue la inspiración en dibujos del artista Frank Fazetta, un genio de la ilustración y la temática bárbara.
Luego de una disputa legal, el segundo paso de parte de Mattel para reforzar la idea de marketing de Sweet, fue contratar a artistas de cómic como Donald Glut y Earl Norem para crear las historias de los personajes secundarios y todo el packaging posible para las figuras de acción. La calidad de estas ilustraciones, hacia aún más difícil la idea de abrir el envoltorio que los cubría, y dejaron una estética marcada, la cuál es muy valorada por los coleccionistas.

El vikingo de Grayskull 
Hablamos de un He-Man de temática bárbara.  Porque aunque no se recuerde, en un principio el músculoso hombre rubio, era nada más y nada menos que un bárbaro.  Así quedaba plasmado en las primeras historias creadas en los minicomics que venían con las figuras. 
En cuanto a la historia de ficción, muchos son los orígenes del personaje, debido a qué en los primeros minicomics éste era un integrante de una tribu que abandonaba su hogar para luchar contra el mal por venir. Al toparse con una hechicera, la misma le entrega un chaleco, escudo y hacha, que le otorgaría una mágica invulnerabilidad.  Así se enfrentaría luego, al maléfico hechicero Skeletor, quién a toda costa quería apoderarse de la magia y poder ocultos en las ruinas del viejo Castillo Grayskull. 
Eternia era un planeta avanzado en gran tecnología, que había quedado devastado por las Grandes Guerras.  De esta manera mezclarían tres fórmulas: lo primitivo, lo mágico y lo tecnológico.
En 1983, Mattel no se quedaría solamente a ver las primeras ventas que empezaban a crecer.  Sino que para reforzar esto, y explotarlo al máximo, contrata al estudio de animación Filmation  para que iniciara una serie de TV en la cual captara la atención de los niños y ordenara la historia de los personajes.  Ya era muy difícil seguir la historia de los minicomics, que además  presentaban varios errores de secuencia en las historias.
Así, de la mano del animador Michael Halperín, se da vida a la historia y serie de animación que marcaría una década entera. 
Respetando esto, la historia dejó de tener los errores de continuidad, y se llenaría de nuevas y refrescantes ideas.  Filmation también pondría en práctica su más reciente tecnología en animación, llamada la técnica del “Rotoscoping”.  Esta técnica capturaba movimientos reales humanos para luego animarlos arriba, todo un éxito para la época. 
Muchos son los puntos a analizar en esta etapa, lo cual nos llevaría otra nota entera.  Pero lo importante a remarcar, es que Halperín escribe la Biblia de Masters of the Universe, que sería la guía para los guionistas y dibujantes que se encargarían de darle vida a esta serie.  Algunos de los nombres que hoy son muy reconocidos, encontramos a Larry Ditillio, Dean Stefan, J. Michael Straczynski y el conocido por el público de Batman, Paul Dini.
A partir de esta etapa, podríamos decir que He-Man era en realidad un joven príncipe, un poco haragán pero de nobles ideales, al cual le fue otorgado por la hechicera del Castillo Grayskull el poder de los Ancestros. A su vez, contaba con una serie de amigos guerreros defensores del bien, los cuales se los llamaría Amos del Universo. A la cabeza de estos, se econtraba Man At Arms, tutor, inventor científico y jefe de la guardia Real del Palacio, su hija Teela, Capitana de la Guardia Real, Ram Man, Stratos, Man E Faces, Mecaneck, Buzz Off y la hechicera guardiana de Grayskull, Sorceress. 
El mal estaría encabezado por Skeletor, hechicero maléfico, obsesionado con robar el poder mas grande del Universo, que se encontraba guardado en Grayskull.  Sus fuerzas del mal se formaban por la hechicera Evil-lyn, el primitivo Beast-Man, Tri-klops, Trap Jaws, y muchos más.  
Con el pasar de los episodios, incontables personajes nuevos aparecían en paralelo a su figura de acción.  De esta manera, hasta el año 1987 se podría decir que Mattel ganaría el mercado de ventas con este producto.  Un total de 130 capítulos y una película de éxito animado dejarían en la historia a una leyenda de la ciencia ficción.

Live action
Como era de esperarse, un éxito rotundo no podía permitirse pasar desapercibido para Hollywood.  Más si de millones de dólares se trataba.  La productora Cannon Films se encargó de llevar este proyecto de la mano del director Gary Goddard.  Protagonizada por  Dolph Lundgren y Frank Langella, la película “Masters of the Universe (1987)” fue un fracaso comercial.  La historia no era mala a mi parecer, pero hubo fallas en los diseños de personajes (recordemos que se venía desde 1982 con toda una línea de historias y diseños que había penetrado en el inconsciente colectivo de muchos), y la falta de presupuesto invertido hicieron un producto final bastante flojo.
La historia de la misma se centra en una Eternia tomada por Skeletor, por el cual los héroes viajan al planeta tierra para rescatar una llave cósmica, último elemento que podría detener al villano.  He-Man, Man at Arms, Teela y Gwildor (sí, un enano que reemplazaba al famoso Orko, el cual era muy costoso de realizar en cuanto a efectos especiales) viajan a través de portales interdimensionales y tras unos cuantos choques con las fuerzas del mal, logran derrotarlos y liberar a Eternia. 
Se comenta que para la pelea final entre el paladín y el hechicero, la productora no quiso invertir más dinero, lo cual llevó a Goddard a financiar esta última escena.  Otro dato curioso, es encontrar a una joven Courteney Cox (ex chica Friends) en el papel de Julie, una terrícola que ayudaba a los héroes de entonces.
Lo bueno de la versión doblada al español, es que utilizaban a los mismos artistas que venían haciendo el doblaje de la serie animada, un buen punto a reconocer.

Revivir la franquicia 
Varios fueron los intentos por revivir el éxito de los 80.  En 1990 se lanza la serie animada “Las nuevas aventuras de He-Man” con sus respectivas figuras de acción.  Un He-Man más futurista se lanza por el espacio en persecución de Skeletor, el cual llega a un nuevo planeta llamado Primus. Junto con los nuevos “Guardianes Galácticos” promete defender el planeta de Skeletor y un grupo de mutantes.  La producción fue realizada por Jetlag, y contó con un total de 65 episodios.  Los diseños de los nuevos personajes serían mas de estilo intergaláctico que de origen bárbaro. 
Pasados unos 20 años de la creación del primer He-Man, Mattel vuelve a las andadas, pero esta vez de la mano de Mike Young Productions.  La serie “He-Man y los Amos del Universo” se estrena en el 2002 junto con el lanzamiento de una nueva serie de muñecos, con diseños totalmente revitalizados.  Si bien las historias son buenas, y respeta mucho los orígenes respecto de aquella Biblia escrita por Halperín, sólo llega a un total de 39 episodios.
Finalmente, en el 2008, Mattel sacá una línea de muñecos titulada “Clasiccs”, en la cual los diseños son mucho mas fieles a los originales de 1982.
Un estilo retro y estilizado a la vez, hace de estas figuras algo estéticamente lindo y muy preciado por los coleccionistas.  Se respeta todo el packaging original de la serie de juguetes incluídos los minicomics, los cuales presentan biografías de cada uno de los personajes.
Desde el 2012, la editorial DC Comics tiene los derechos por la cual está llevando una serie de comics con la historia del rubio musculoso salido de la cama solar.  Pero eso ya es otra historia y etapa a desarrollar.  Mientras los fanáticos esperamos una nueva película, los dejo por el momento con esta reseña para que la disfruten.
Por lo pronto quién les escribe se va para Etheria, ya que tiene un asuntito con un tal Hordak, quien reclama un poco de atención.